小提琴論文全文(5篇)

一、臺下準備工作

對于樂曲的熟悉以及練習程度也是決定小提琴表演是否成功的一個重要因素。小提琴的節奏與速度練習都是通過左右手按指以及運弓來訓練左右手的肌肉技能以達到某種預想表演效果。節奏練習,如《西班牙交響曲第一樂章》的開始部分，兩串連續的琶音在樂曲一開始就給演奏者一個挑戰，演奏高把位琶音時很容易出現節奏模糊，或是左右緊張導致的按音不準等問題。在演奏多音的樂句時，節奏的準確性和均勻性主要是靠左手指的動作來體現，但運功實際上右手運弓也起了很大的作用，可以通過均勻的分配和精確的換弦把音符演奏的很均勻。這樣的一連串音最好的訓練方式就是改變樂曲本身的節奏型或變化成一些短小的節奏來練習，如小附點或是小切分，或是三個音一組，四個音一組的練習。③在練習的時候通過變換節奏練習鍛煉左右手的肌能，并加以重音將復雜的音組或者音串分成短小的節奏并加以重音訓練，但在實際演出的過程中只是通過內心來強調重要重音。如此類似以上節奏訓練，放慢速度練習，分塊練習，這樣都能很大程度上改變拉奏的清晰度和準確度，也給實際演出時增添很多信心，給成功地表演多了一份保障。

二、虛擬舞臺和真實舞臺

1、模擬虛擬舞臺

音樂表演是一門聽覺和視覺的藝術。我們可以通過各種方式給自己虛擬“舞臺”，更加客觀的從聽覺上認識自己的演奏，而不是一味的主觀的練習。如給即將演奏表演的樂曲錄音，通過自己聽自己的錄音，有時會發現音準并不是想像中那么精準。小提琴是一門對音準，節奏要求極其高的樂器，包括分指并指兩音之間度數關系，或是和弦的按指，一定要演奏地非常精準，錄音出來的效果才是悅耳的。在我們平時的練習中需要慢練，在慢練的過程中仔細分析手指間的關系，耳朵去辨別音的精準度，這樣才能保證高質量的小提琴演奏。

2、適應真實舞臺

表演離不開舞臺和觀眾。如何很好的克服舞臺和觀眾帶來的緊張感，以及如何去適應一個與練習截然不同的環境是表演者表演前應充分去適應的。我們練習小提琴往往是一個人在琴房里練習，這時音樂完全是自我的被欣賞的且對象只有一個人。我們可以逐漸增加欣賞音樂對象的人數，第一步：可以請自己三兩好友來觀看自己的小提琴演奏，這可以緩解自己心里覺得專業聽眾給你帶來的緊張感。第二步：可以走出琴房，去適應新的演奏環境。在小的琴房運弓花很小的力聲音就會傳的很遠，如在容納千人或幾百人的演奏廳音樂傳出去的程度就有所不同，所以在表演前去適應新的環境，不僅讓你的琴適應新的環境，身心也會更加放松的演奏。第三步：請幾位你非常敬畏的音樂專業的老師在正式對外表演前聽你的演奏，老師們的指導也給我們心里多了一份肯定。

一、《紅色小提琴》中的聲樂藝術的解讀

在《紅色小提琴》這部電影作品中，主要講述的是一把小提琴的故事，樂器必然會有聲樂相伴，聲樂藝術是一個十分明顯的創作特色，聲樂不僅推動了故事情節的發展，也營造另一種十分感人的氛圍，對于影片中的人物形象的塑造有十分重要的作用，還深化了電影的主題。尤其是在這部電影中，不同的主人擁有這把小提琴的時候會上演一種不一樣的溫情，這部電影中的聲樂藝術可以使得整部作品的視覺效果得到深化，聲樂的應用也可以促進情節發展，尤其是當小提琴出現的時候，必然會有音樂產生，聲樂的藝術表現力很強，對于電影的劇情發展有十分重要的作用。在這部電影中，聲樂的出現不僅渲染了氣氛，也設置了懸念。此外，聲樂在很多時候可以代表人的語言，聲樂本身就是一種很有表現力和感染力的因素，在電影作品中巧妙地應用聲樂語言，可以使得一些不必要的對話得到避免，從而利用聲樂語言的張力以及韻味將故事情節推向一個更高的高度。最后，聲樂最關鍵的一個作用就是對主題進行深化，將聲樂用于電影作品中，能夠對電影的核心內容進行表達和概括，也能對故事想要表達的主題進行揭示，對于影片想要傳遞和表達的意思進行有效的傳遞。電影中所描述的是一把小提琴的“前世今生”，所以小提琴出現的時候必須要對應聲樂藝術。這部電影中的配樂一直都是圍繞電影的主題創作的，音樂漸漸成為這把不同尋常的小提琴的象征，也漸漸成為這部作品的靈魂。對尼古拉而言，他是小提琴的制作者，同時也是一名作曲家，是他的工作產生了這把小提琴，才有了后面的故事。但是導演也給觀眾留下了懸念，即這把小提琴是怎么變紅的，這個謎團一直都存在，直到最后的拍賣會才為人們解開了這個謎團。尼古拉用自己死亡的妻子的頭發制作了一把小刷子，用妻子的鮮血調配成紅色的涂料，然后再用那小刷子一下一下地涂了上去。尼古拉為了表達自己對難產而死的妻子以及還沒有出生的孩子的懷念，采用了這種方式讓這把小提琴寄托了他的思念。電影中還有一些象征，比如女仆對安娜說:“夫人您一定會長壽的，您會進行一次長距離的旅行的。”這句話其實是一個暗示，紅色的小提琴在全世界范圍內流傳，這把小提琴已經成為了安娜的象征，因此小提琴在世界各地輾轉的時候，也就是安娜在做長期旅行。

《紅色小提琴》的主題音樂是《安娜主題》，這首具有巴赫時代的音樂作品為電影營造了一種比較柔情的氛圍，奠定了這部電影悲情溫馨的基調。電影一開始的時候就給觀眾展示了小提琴的制作場景，尼古拉作為小提琴的制作者，對這把琴有著十分嚴格的要求，當制作小提琴的鏡頭結束的時候，就響起了《安娜主題》這首樂曲，音樂綿長悠遠，橫跨了時間，橫跨了地域，將觀眾從三個世紀之前場景帶回到三個世紀之后一次小提琴的拍賣會上，回到現實社會中之后，這首樂曲才漸漸消失。當電影的鏡頭轉到拍賣會上的時候，響起了主持人的話語，主持人對這把琴進行了介紹，介紹之后，又響起了《安娜主題》，主持人的聲音在音樂中漸漸消失，將現場交給了參與拍賣的人。電影在不同的場景中轉換，帶給觀眾的是不同的觀影體驗，比如在拍賣現場之后，又轉回到三個世紀之前，安娜神色緊張地來到了小提琴作坊中告訴尼古拉女仆預見她會有困難的時候，尼古拉為了安慰妻子，將那一把還沒有完工的琴給她看，說是給孩子的禮物，這個時候又響起了《安娜主題》這首音樂，對于安娜和小提琴之間的不同尋常的關系進行了暗示。電影配樂的這種前后呼應使得電影的場景不斷轉換。除了對電影的主題進行展示之外，這部作品中的音樂也為人物的思想情感的展示提供了一些幫助。電影中的小提琴是出自于尼古拉這位造琴師的手，這把小提琴是為了迎接自己的孩子而制作的，由此可以看出尼古拉是一個十分慈愛的人，但是由于難產，這把琴也被賦予了全新的含義，安娜的靈魂也仿佛融入了紅色小提琴中而獲得了重生，所以這其中的音樂是比較神秘的，比較傷感的。導演在拍攝的時候，決定將《安娜主題》當做主題曲，是一個十分成功的做法，這首音樂本身就是一首極富抒情性的優美旋律，帶有一種比較憂傷的感覺，尤其是在提琴的伴奏下，女生的演唱會更加有感染力，為尼古拉的妻子的不安、女仆的預言以及尼古拉的安慰都營造了一種十分相配的氛圍。當安娜難產的時候，尼古拉的悲慟欲絕與這首悲情的音樂一起感染了觀眾，打動了觀眾的內心。紅色小提琴在不同的輾轉過程中也產生了很多不同的故事，當紅色小提琴的所有權被轉移到了孤兒卡斯帕手中的時候，由于故事情節發生了改變，在這一背景下，音樂也要改變，應該由之前的悲情溫婉改為清新優雅。在維也納演奏的時候，孩子們合奏的歌曲充滿了巴洛克的色彩，清新的音樂的應用使得整部電影的氛圍也變得輕松一些，觀眾的悲傷情緒也被緩解。但是隨著故事情節的發展，聲樂又一次改變，由于卡斯帕的身體不好，在長期的訓練中對他的身體也產生了影響，最后在參賽的時候死去，因此在這個時候，電影的音樂又發生了改變，從一種帶有活力和清新干凈的音樂轉變為一種比較凄婉的音樂。小提琴每一次易主的時候，背景音樂都會有所不同，主要是為了烘托出小提琴的主人的思想情感，在不同的人身上，小提琴的藝術生命也得到了全新的闡釋。

二、結語

《紅色小提琴》是佛朗索瓦•吉拉德執導的一部以小提琴為主要對象的電影，其中沒有主要的人物形象，沒有焦點故事情節，有的只是一把琴的前世今生的故事。在這部電影中，配樂是一個十分重要的部分，小提琴在世界各地輾轉的時候，經過了不同的人的手，變換了很多次主人，但是這把琴是寄托了思念以及愛的一把琴，被賦予不同尋常的含義，小提琴易主的時候音樂也不斷改變，不同的音樂與畫面有很好的配合，使得電影的主題得到升華。

作者：榮蓉 單位：鹽城師范學院音樂學院

摘要：揉弦技術是小提琴演奏中應用得非常多的一項左手技術。揉弦技術在小提琴演奏中的作用是不可替代的，其可以極大地豐富小提琴演奏的音響效果。完美的揉弦可以帶給小提琴演奏以生命，讓聽眾獲得最大限度的聽覺享受。以揉弦技術作為討論對象，重點介紹小提琴揉弦技術的特征、種類，以及相應的練習方法。

關鍵詞：小提琴；揉弦技術；技術特征

小提琴揉弦技術誕生于16世紀，普及于19世紀后葉。揉弦技術被運用到小提琴樂曲的演奏中，完美的揉弦賦予小提琴演奏以強大的生命力，此技術的運用可以將作曲家傾注于作品之中的情感淋漓盡致地表現出來。此外，揉弦技術還可以更好地表現作品的風格，提高旋律的表現力和感染力。同時揉弦作為一種顫音技術，又具備很強的技術性特征，需要經過一系列系統而科學的基礎訓練來實現。目前，關于揉弦技術的表現性與技術性爭論很多，兩種觀點往往各偏向其中一個特性。筆者認為，作為一種表現型藝術，其每項技術都需要既兼顧表現性，同時也兼顧技術性。技術性是表現性的前提，表現性是技術性的升華[1]。對小提琴演奏者而言，首先應充分理解揉弦技術，包括揉弦技術的表現性特征和技術性特征，在此基礎上可以從更高的角度來理解揉弦技術，如作品的情感表達、風格需要等，從而更好地發揮揉弦技術對聲音感染力和藝術表現力的積極作用。其次還應充分了解揉弦技術的種類及其正確的使用方法，從而達到在使用揉弦技術方面融會貫通的狀態。要充分掌握各種揉弦技術的練習方法，以便可以在日復一日的勤加練習中不斷磨礪和提高揉弦技術，并提升對揉弦技術的感悟。

一、小提琴揉弦技術特征

(一)表現性特征

1.渲染情緒

揉弦技術的誕生目的之一便是表現，其應用旨在表現小提琴作品音樂內容的美，不論是在誕生之初的修飾之用，還是在后來的展現音樂美和音樂情感之用，其都意在給予聽眾以更好的聽覺享受。其中最為突出的表現目的便是為音樂情緒的渲染而服務。情緒可以促使聽眾的情感產生波動，從而對音樂產生更為深刻的感觸，形成更好的聽覺感受。情緒的變化多種多樣，紛繁而復雜。作曲家希望在某一樂段或具體情境之中融入特定的情緒以豐富旋律的色彩，演奏者在演奏過程中需要根據自己的理解，以一定的揉弦技術呈現作曲家蘊含于作品中的情緒。不論情緒的變化有多么難以捉摸，但總結起來往往是激動或者是平緩兩種類型。對于激動情緒的處理，揉弦技術的緊張度相對較高，幅度也相對較大，速度相對較快，而在平緩時則要適當放慢揉弦的速度，減小揉弦的幅度，保持一種相對松弛的狀態[2]。演奏者在使用揉弦技術渲染情緒時，首先要充分把握作品的整體情感、氛圍、思想等，進而充分融入自己對作品的理解，從而在處理具體揉弦技術時可以更好地把握力度、幅度和速度，將音樂情緒完美地渲染出來。

摘要：學校以打造“尚美課堂”為抓手，構建理想的、充滿尚美精神的課堂，追求學生的尚美發展和尚美人生。思考尚美的美術教育，其靈魂在于情感，源泉在于生活，追求在于完美。

關鍵詞：尚美；美術教育；情感

蘇霍姆林斯基說過：“美是道德純潔、精神豐富、體魄健全的強大源泉。”為了培養具有美的理想、美的情操、美的素養、美的人格的人，達到以美輔德、以美啟智、以美健體的目的，我校以營造“尚美課堂”為抓手，構建理想的、充滿尚美精神的課堂，切實提高學生的素養。追求學生的尚美發展和尚美人生，課堂便成了莘莘學子走向尚美未來的孵化園和孕育場。尚美的美術教育是怎樣的呢？筆者認為應具備以下四個條件：

一、尚美課堂的靈魂在于情感

蘇霍姆林斯基說：“請你記住，教育———首先是關懷備至地、深思熟慮地、小心翼翼地去觸及年輕的心靈。”這就意味著我們必須以平等的視角看待學生，以和善的態度對待學生。少一點嚴厲，多一點鼓勵。其實尚美的美術課堂是一種美好的愿望，也是我們追求的一種課堂狀態。在這個過程中有很多問題，如果上課學生不帶東西，這不可能做到求全，也不必求全，關鍵在于教師如何來看待。如果一上課就被這個問題絆住，那我想這不是我們想要的。我想說的是，我們教師如何讓學生感受到教師的課好玩，在玩中有比賽、有樂趣。有個人的想法就好，就這個問題，我聽過多位教師的美術課，有些教師在這方面很有經驗和方法，學生投入其中，喜歡上課，那不帶工具材料的問題就會好辦一些了。再如，我們常常感受到美術課紀律遠不如那些主課老師的課堂安靜，此時的我們是不問由來地嚴厲訓斥，對學生進行壓制，還是巧妙地引導呢？一味地壓制只會影響學生創作的興致，扼殺一部分學生創作的靈感。細心的老師，會輕輕走近學生，你會發現有一部分學生在課上不由自主地交流，那是靈感與思維的碰撞，那是富有創作激情的表現。還有一部分學生也許是因為沒有工具、材料，或者沒有創作頭緒而無所事事地講話，我們只要及時了解這些情況，給予幫助與指導，我相信每個學生都會沉浸在美術學習的快樂之中。

二、尚美課堂的源泉在于生活

“藝術源于生活”，如果脫離了學生的生活經驗，那將使藝術失去原本應具有的魅力，將成為“無源之水”“無本之木”。“趣味課”應走進學生的生活實際，從學生的生活經驗中選擇活動素材，激發學生的學習興趣。課堂小天地，天地大課堂。農村學校與城市學校相比，美術課往往受條件限制，學生的學具材料不齊全，常常令教師犯難。其實美術教師只要動動腦筋，充分利用好身邊的資源，因地制宜、就地取材來拓寬美術課程資源，同樣能收到良好的教學效果。美術課上，我們可以大膽地帶著學生走出教室，來到操場，組織學生觀察體育課上學生運動的姿態，讓他們說說運動中人物的動作特征，再讓他們自己也嘗試進行一些體育活動：跳遠、跑步、打羽毛球等，在活動中有了充分的體驗之后，再拿起畫筆，那一個個形象生動的有動感的人物造型便躍然紙上了。再如，每個學校每年都會有些受損的桌椅，大多數學校在無法修理或者修理之后不美觀而選擇丟棄在雜物間。我們一些有心的美術老師則會選擇變廢為寶，舊物改造，在廢舊的桌椅上畫上漂亮的圖案、可愛的卡通，然后裝扮在美術教室或用于學校的環境布置，那就是一處獨特的風景線。校園、教室、大自然都是教材，能有效補充文本教材內容的不足。教師可發動學生搜索生活中有突出表現的事物，充分利用當地以及學校的資源。例如《標志》一課，要求利用美術課堂開展向學生征集班徽、校徽和各年級組標志、各活動中心標志以及為我校“佳佳足球隊”設計隊徽等活動。這不僅能豐富教學內容，還能對學生進行熱愛班級、熱愛學校的教育。美術陣地是校園文化的有機組成部分，特別是兒童節、國慶節等一些傳統節日和一些美育類的節日等，更能體現它在校園中的作用。作為美術教師，我們應努力為學生營造一個色彩繽紛的美術天地，引導學生觀察生活、體驗生活，巧用生活資源豐富美術課堂。

越劇與古箏音樂元素融合淺談越劇與古箏兩者多有共通性，均以“韻”字著稱，越劇以唱腔身段為韻，古箏以吟揉按滑為韻。越劇中的唱腔細膩纏綿，婉轉繞梁，其身段輕柔曼妙，有板有眼，與古箏的左手技法有異曲同工之妙。古箏是擁有千年歷史的民族樂器，具有極強的模仿能力，越劇中的音樂元素均能通過古箏的不同技法表現出來，而這些元素的運用也大大提高了古箏的表現能力，增加了古箏的演奏技法。越劇元素為古箏演奏增添了許多古典韻味，而古箏藝術也推動越劇的發展與傳播，使得越劇在海外獲得較高的聲譽和廣泛的群眾基礎，成為流傳最廣的地方劇種之一。

一、越劇與古箏的淵源

越劇于清末起源于浙江嵊縣，因古越國所在地而得名。其前身是浙江嵊縣一帶流行的說唱形式“落地唱書”，并經歷了“落地唱書調—小歌班—紹興文戲—越劇”的稱謂演變。越劇的題材通常以表現愛情為主，尤其是悲劇情，而古箏則非常適合表現這種纏綿悱惻的情思。越劇中的人物唱腔清麗婉轉，與古箏明亮潤滑的音色異常吻合。因此，不少古箏作曲家致力于提取越劇中的相關元素作為創作古箏作品的基礎。近年來，越劇在古箏協奏曲中的運用與融合頗多，《陸游與唐琬》和《梁山伯與祝英臺》都是較為成功的作品。

二、越劇元素在古箏作品中的運用

1《陸游與唐琬》

古箏協奏曲《陸游與唐婉琬》由上海音樂學院教授何占豪根據越劇《陸游與唐琬·浪跡天涯》選段中的內容創作而成，描寫了陸游自福建歸來重游沈園，驚愕于唐琬已改嫁趙士程的悲痛場景。古箏主旋律由越劇唱段的伴奏動機發展而來，唱詞部分直接運用越劇中的人聲唱腔來表現。這部作品采用箏、樂、詩的創新表現形式，在作品中加入了聲樂演唱的部分，并運用《釵頭鳳》的詩詞原句作為唱詞，而古箏則使用琶音、刮奏等技法來烘托越劇唱腔，使古箏旋律具有越劇伴奏的功能。樂曲開頭以單音旋律的輕慢顫來鋪墊全曲的憂傷氛圍，奠定人物的心情基調（見譜例1）。樂曲中部加入越劇《釵頭鳳》敘述故事的發展，作品中陸游母親對陸游和唐琬的壓迫，陸游的報國無門，唐琬的被迫離開，都表現了主人公對于世俗壓力的反抗。該作品打破傳統的演奏模式，將古箏在演奏形式與內容上又向前推進了一大步，同時在中國古典文化與西洋古典音樂體裁的融合上別具一格，古詞韻味在古箏藝術和越劇唱腔中體現得淋漓盡致。此樂曲唱詞運用宋詞配合越劇唱腔旋律，直白地表現作品的悲憤情緒，古箏同人聲旋律基本一致，鋼琴作為低音背景渲染悲涼的氣氛（見譜例2）。樂曲最后運用快板，表現陸游與唐琬分離時的悲痛之情。越劇《陸游與唐琬·浪跡天涯》中的劇情內容、伴奏旋律及唱腔手法都被完美地融入這部古箏作品中。

2《梁山伯與祝英臺》