現實主義美學格調

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一、導論

格調它應該集中反映出藝術作品的美學品格和思想情調，也是藝術家藝術造詣、文化修養、審美理想和思想情操在作品中的總匯體現。格調高低首先取決于創作立意，清代張庚曾言：“蓋畫品高下，不在乎跡，在乎意。”對生活中真、善、美與假、惡、丑的判斷能力在很大程度上決定著創作格調的高低。中國歷史上一直十分強調作者的思想品質對創作的直接影響，有“人品不高，用墨無法”之說。畫品與人品，美與善在中國傳統美學思想上是統一的。它亦是個人的藝術風貌所具有的美學品格，多指滲透在作品中的意蘊和情調。獨特的藝術風貌只有與崇高的藝術格調統一起來，才會產生優秀的作品。而俗與雅是衡量作品格調高低的一個重要標準。因為，藝術創作是以審美方式反映生活、影響人心的。這樣，作品的格調就不但取決于作者的思想境界，同時也取決于作者所能達到的藝術境界。并且它同風格一樣，具有時代的、民族的和階級的屬性，不同時代、不同民族和不同階級在藝術格調的追求與批評上有著不盡相同的傾向和標準。

二、格調是個人的藝術風貌所具有的美學品格，多指滲透在作品中的意蘊和情調

一件作品如果只是迎合市俗的一般嗜好，或是以奇巧炫人耳目，僅僅滿足于某種官能刺激，這樣的作品就會被貶斥為庸俗淺薄。如果作品在思想內容和形式風格上不但為人們所樂于接受，并且能有益于人們的身心健康，使人的感情得到凈化，思想得到提高，這樣的作品就會被社會譽為格調高雅純正。因此，俗與雅也成為衡量作品格調高低的一個重要標準。法國19世紀中葉的農民畫家現實主義巨子米勒，以他對農民的熱愛，對土地的深情，創造了一系列再現法國農村田園生活的圖畫，如《晚鐘》、《拾穗者》、《倚鋤的人》都是在真實人生的圖畫中滲透了勞動的甘美，人生的辛酸。更令人感動的是，米勒抗爭著持守了作為藝術家的真誠。面對家庭的責任，生活的貧困、苦難、疾病、來自文藝界的批評、誤解、反對、攻擊的輿論，甚至面對來自政治的壓力。米勒，沒有忘記自己作為一個樸實的農民的藝術家的使命，義無反顧的保持著藝術家人格良知的操守，始終堅持著完全獨立于遠離市俗嗜好的真誠地創作。誠實的藝術家的作品總是比政治家的術語來得更深刻，含蓄、耐人尋味，他們像天上的星辰，一語不發；卻在默默無語之間見證一個個或流血或和平的時代，你可以詮釋他們，但他們會有自己的語言，在那樣一個動蕩不安，充滿血腥的時代里，卻產生了《晚鐘》這樣靜謐安寧的超世佳作，而米勒的大多數作品也都像《晚鐘》一樣成為超越時代的傳世之作。暮色籠罩著一望無際蒼茫大地，多么莊嚴，何等肅穆，不禁令人對造物主的偉大油然產生敬意。一隊農家夫婦隨著教堂鐘聲的敲響，放下手中的農活，以感恩的心在傍晚的微風中悄然佇立，以敬虔的祈禱結束一天的勞作。他們雖然卑微，但不失尊嚴。以天上國民的身份企盼另一永恒和平的國度，而對天國的盼望也深藏在畫家的心中。只有在這樣的企盼中忍耐苦難，苦難才顯得甘美，心靈才得平安，而這樣的平安窘異于暴力與戰爭所帶給人心的恐怖與瘋狂。也正是這種內在的平安帶來的恒忍力量，使得人們在動亂的社會中仍持有生存的勇氣和智慧。毫無疑問《晚鐘》這幅作品的靈感源自于《圣經》的啟示，同時也取材于米勒對現實生活的體驗。米勒稱《圣經》為他的“畫家之書”，并希望自己“能像倫伯朗那樣，只不過從法國人的觀點去解讀《圣經》”。列夫•托爾斯泰評價米勒的《晚鐘》“透露了基督徒對上帝和鄰人的恩愛之情，”表現了“人和上帝及人們相互之間的團結和睦。”羅曼羅蘭則贊譽米勒為“法國藝術中獨一無二的人，”“在19世紀的法國，米勒的品格是令人驚奇的，他似乎屬于另一個時代，另一個民族和有著不同思想形式的人。”“畫家就是從這種勞動的痛苦當中找到了人生的詩和美，這是米勒的思想和制作的最終目的。”我們不難從米勒的人生圖畫體察到農民的善良與品質的高貴，從中感受到勞動生活的真諦，詩意和藝術家心中淡淡的哀愁。由此可見，作品的格調不但取決于作者的思想境界，同時也要看如何表現和表現得如何。內容不健康的作品自然談不上高格調，健康的內容如果缺少完美的表現形式，缺少內容與形式的統一，藝術格調也會受到嚴重的影響。格調又是藝術家在創作中藝術個性的集中體現，是個人的藝術風貌所具有的美學品格，是滲透在作品中的意蘊和情調。獨特的藝術風貌只有與崇高的藝術格調統一起來，才會產生優秀的作品。這使我不由得想到17世紀荷蘭畫派偉大的畫家倫伯朗。他把毫無虛飾的生活真相以及不滿和反抗的主題，引進自己的作品中，倫伯朗對普通人，流浪漢乃至乞丐的深刻同情，對英雄人物的無限景仰，以及他把當時社會的人生作為悲劇而加以無情揭露的那種堅定不移的藝術主張，映射出他那獨特的藝術風貌以及崇高的人格品質。正如美國藝術史學和藝術評論家多瑪斯•克立文在他的《藝術家列傳》中說：倫伯朗“為了保持藝術家純潔的良心和爭得繪畫語言的自由，寧肯犧牲他早已贏得的聲譽和相當客觀的收入，這不是一件輕而易舉的事情。我們美國人對這一點有深切的體會，因為在我們這里，為保持普通的尊嚴而做出的微不足道的犧牲，都被認為是愚蠢的行為。但是，倫伯朗為什么在他的作品市場已經消失，許多人對他側目而視的時候，卻更加勤奮地工作呢？這是因為他要證實他做人和做藝術家的能力，他要證實他確切值得為自己的藝術主張而活下去”，或許偉大源于苦難，苦難眷顧這位天才的藝術家，栩栩如生的人物形象和細致入微的心理刻畫是這位大師在繪畫上取的卓越成就，他在這方面達到了難以逾越的境界，是他又為世界藝術史寫下了輝煌的一章，他的作品是人類所創造的優秀的藝術作品中重要組成部分。從某種意義上而言高格調的藝術作品也是創作者人格品質的反映。形式再新穎，風格再獨特，如果情調不健康，也會直接削弱作品的藝術價值。從這個意義上講，格調較之風格有著更為重要的實踐意義。從創作角度看，它是作者思想境界和藝術境界的最高體現；從欣賞角度看，它是藝術批評的重要的標準之一。

三、格調的時代性、民族性及階級性

不同時代，不同民族和不同階級在藝術格調的追求與批評上有著不盡相同的傾向和標準。每個國家都有自己的特點，傳統。這種特點主要還是不在方法方面，而主要表現在民族的歷史，生活和感情上。傳統離不開民族歷史，生活，感情這些要素。因此，格調同風格一樣，具有時代的、民族的和階級的屬性。在十六世紀末至十七世紀初的意大利繪畫史中，卡拉瓦喬的藝術以高度的表現力，深刻的真實性和人道主義精神吸引著我們。這位藝術家歷程是復雜的，充滿了苦難和失望。他生活的年代，意大利困難重重，國家面臨著嚴重的經濟危機，內憂外患，國力大為削弱，同時，天主教的反動勢力加強，他們拒絕用現實主義方法表現大自然和人類的藝術，樣式主義取代了生氣勃勃的文藝復興的現實主義藝術。而在16世紀末17世紀初與樣式主義藝術和學院派藝術相對立的是現實主義藝術。卡拉瓦喬吸收了北部意大利藝術創作中47的現實主義傳統，從中接受了深刻的人道主義精神，樸素和真摯的思想，卡拉瓦喬，“是第一位描繪民眾所體驗它生活的畫家，他不對其他人指述地獄；他的圖象是分享于其中的現實的圖象，他是一個異端的畫家：他的作品由于其主題內容而被教會拒絕或批判，他的異端在于將宗教主題轉化為普通悲劇。”①卡拉瓦喬死去的圣母，也許顯示了“完全的真實，他對于普通世界的情感，目光和行為的需求，呈現與攜取都盡可能地遠離了藝術那嬌飾的世界”，②進而使他創造出如此富有思想與革新精神作品。藝術家以自己真摯的感情再現生活的圖畫，通過形，色，線的組合描繪外部世界人生，讓自己的情感通過再現形象自然而然流露出來，這種情感的表現以其自然、純樸、真摯而感人并喚起對人生的體察，去發掘出生活的真與美，這是偉大的現實主義藝術所共有的特質。間而言之，不同國度，民族，時代的生活，產生了不同國度，民族，時代的藝術特點；體現了格調的時代，民族和階級屬性。

四、對格調在創作中的理解

我的創作《是生存還是毀滅？》這一命題，源于我對莎士比亞的悲劇《哈姆雷特》中的男主人公哈姆雷特的喃喃自語“Tobeor，nottobe？”③的另一種解讀。“生存還是毀滅”這個困擾著哈姆雷特的選擇，它也將成為人類對自身生存狀態的一種思考。人類在征服自然走向文明的歷史進程中，每一次進步幾乎都伴隨著對地球環境的巨大沖擊，如北非是人類文明的搖籃之一，巍峨聳立的金字塔代表了埃及文明的巔峰狀態，這也是人類文明的巔峰狀態。然而埃及文明創造者們留給子孫后代的遺產，除了古老的文明外，還有90%完全沙漠化的土地。人類文明的另一個發源地美索不達米亞經歷了同樣的遭遇。蘇美爾、亞述、阿卡德和巴比倫人相繼在公元前4000至前2000年間，創造了令世人嘆為觀止的城市文明。然而，這些古文明的發祥地如今卻是不毛之地。我的《是生存還是毀滅？》這幅創作更多是體現了對人類逐漸消逝的文明的一種關懷與反思。人類活動破壞了自然的和諧，“人類如何重新審視人與自然的關系，促進人與自然的協調發展”。當人類生存的空間里只留下自己的身影時，那將是多么的悲哀！但愿生存還是毀滅的抉擇只是在記憶中溯尋。（Tobe，ornottobe？）的構圖是呈前、中、后三層次空間第進。在呈負三角形陰影的前景的空間之上，眼睛立即投向后面的物體，即由嘴鼻組成呈正三角形的靜穆而又具有超現實主義意味的主體物上。后景古老的拱墻及具有東方文化意味的圓頂和立柱，重復線形的交錯，重疊、張力、對峙、疏密、均衡等等，構成了不同的動式，產生垂直的肅穆感。前景陰影的深沉與擴張，中景主體的穩重與靜穆，背景的神秘與飄渺，充滿了對藝術，文化、歷史、自然界與科幻的理解和關愛。呈負三角形的陰影暗示著呈正三角形的主體的存在，存在即能被感知，她那斑駁的下頜，沉默龜裂的雙唇以及似乎能聽到輕微呼吸聲的擴張的鼻孔，是在思考還是在無言的抗議？色彩在繪畫中的地位，在某種意義上講，沒有色彩便沒有了藝術。在色彩上我以明度及飽和度極強的色調作為畫面的主旨，以暗重色調輔助表現次要內容，使創作的構思十分明確地傳達給欣賞者。前景，中景的用色以較為單純，冷靜的黃褐色，淺綠色調為主，體現出那種“高貴的單純”的美。中景主體物色彩的明度和飽和度是整幅畫里最高的，是為了體現呈思考性的狀態，色彩的單純與冷靜正是這種狀態的保證。背景用色相比于主體物更含蓄，暗重，我用大面積桔紅色，大紅色，紅紫色及紅褐色涂繪是為了體現色彩審美心理的那種神秘，虛幻，飄渺的感覺。她們代表著那些即將失落的，引發我們思考的文明跡象。我在《是生存還是毀滅？》這幅具有原始格調，富有幻想和超現實主義意味的油畫創作中，追求的是一種和諧，純粹而寧靜的藝術效果，那些看上去凝重的色調要傳達給欣賞者的是一種滄桑、沉思、靜謐和神秘感覺。畫面構圖看似簡單，但卻不經意間賦予作品深刻的寓意，有著對文學作品的深刻而獨特的理解。

五、總結

無論格調的形式如何體現，但是可以肯定的是：人在創造格調，格調又反過來創造某個群體。所以說：格調是藝術作品所具有的美學品格和思想情調，是藝術家藝術造詣、文化修養、審美理想和思想情操在作品中的總匯體現。藝術創作是以審美方式反映生活、影響人心的，這樣，作品的格調就不但取決于作者的思想境界，同時也取決于作者所能達到的藝術境界，就是說作品的格調高低既要看表現了什么，同時也要看如何表現和表現得如何。內容不健康的作品自然談不上高格調，健康的內容如果缺少完美的表現形式，缺少內容與形式的統一，藝術格調也會受到嚴重的影響。獨特的藝術風貌只有與崇高的藝術格調統一起來，才會產生優秀的作品。形式再新穎，風格再獨特，如果情調不健康，也會直接削弱作品的藝術價值。從這個意義上講，格調較之風格有著更為重要的實踐意義。從創作角度看，它是作者思想境界和藝術境界的最高體現；從欣賞角度看，它是藝術批評的重要的標準之一。同時它還具有時代的、民族的和階級的屬性，不同時代、不同民族和不同階級在藝術格調的追求與批評上有著不盡相同的傾向和標準。中國社會主義文藝創作在風格多樣化的基礎上，強調作品的社會功能，提倡作品的格調的不斷提高，使文藝作品在精神文明建設中發揮積極有益的作用。