服裝設計的表現手法精選(九篇)

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第1篇：服裝設計的表現手法范文

通過利用款式優美的舞臺服裝，能夠更好的塑造演員所扮演角色的形象美感。借助服裝色彩，可以營造出良好舞臺氛圍，而藝術美感更要通面料與精湛的工藝來表現。因此，研究并探討舞臺服裝設計中的美學藝術，有利于進一步促進舞臺服裝設計的創新與發展。

一、塑造角色的形象美感

演員在塑造舞臺角色過程中，外部形象有著重要影響，合適的服裝能夠增強表演者自信，觀眾也更認可角色，因此要根據舞臺人物形象要求來設計服裝款式。在舞臺服務設計中結構與款式較為重要，可采取松緊對比、寬窄對比、長短對比等多種對比方式。而在服裝結構上則有長短、松緊等不同方式，服裝風格有寫實與寫意、古代與現代等多種表現手法，這樣能夠讓角色不同特點展現出來。身為服裝設計者，在開始設計舞臺服裝時，對款式認識程度要高，包括導演對塑造人物的認知，要站在不同角度加以分析。如導演指導風格、音樂元素所涵蓋的情緒、人物角色基本特征等。所以，在設計舞臺服裝過程中，要對人物特征是否鮮明、與劇情是否相符、現代與傳統劃分是否明確等，只有明確掌握了這些主題設計元素，所設計的服裝才能滿足舞臺效果。

二、營造舞臺氛圍

舞臺服裝在舞臺表演中十分重要，在進行服裝設計時，要重點掌控服裝的著色。人們情感與心理是不同的，能夠借助色彩展現出來，利用色彩的合理搭配，對人們的修養與情感展現出來。對于舞臺服裝而言，在展現人物情感與性格的同時，還要賦予時代背景色彩，這樣才可以更加側重表演主旨。所以，舞臺服裝著色要根據角色的不同，對主要、次要任務色彩加以區分，保證角色性格與環境相匹配。在舞臺中決定色彩的是燈光與布景，服裝是細節，服裝是舞臺色彩的基礎，能夠表現主體、體現舞臺色彩風格。針對以舞臺為特色的表現手法，要根據主題的不同變化搭配顏色，這主要取決于導演的演繹手法，舞臺服裝要與舞臺主題契合。

三、恰當地選擇面料材質

舞臺服裝要講究面料的選擇，在舞臺燈光照射下，選擇的面料要能吸收光源，主要使用材料為緞、棉、麻、絲等，選擇不同的藝術形式，對材料進行二度制作表現其材質肌理，以此取得較好視覺效果。目前厚、薄、軟、硬、透、密、重、輕等都讓舞臺服裝材料選擇方向更加寬廣，塑料制品、金屬制品、絲織品等都能夠成為舞臺服裝材料，主要根據表演形式進行選擇。比如，強度與質感是舞臺服裝材料首要考慮因素，盡量選擇較輕的材料，面料要選擇飄逸高、懸垂感強的材料。對現實主義話劇而言，主要反應現實生活，服裝要偏向于真實，主材要選擇較為厚重的面料，主要體現沉穩、現實生活。而展示性服裝主要是更好的服務于舞臺。現代很多展演服裝設計人員都重視面料質感，要求創新度要高，采用多種手法加以設計，或者采取壓褶、堆褶、抽紗等處理方式，讓服裝立體展現力更強。

四、精湛的工藝手法是審美的基礎

裁剪與制作是主要兩種服裝工藝，其中對裁剪而言，合體服裝能夠更加自如的展現形體之美。服裝能夠輔助舞臺藝術表現的更好，舞臺角色可以借助語言表達、肢體動作、音樂歌唱等各種藝術表現形式對角色特征加以塑造。服裝設計與裁剪時要重視舒適感與美觀度，為保證服裝裁剪更加漂亮，就要從分割線與結構線入手，為讓服裝穿著更為舒適，就要籌劃運動與表演兩個方面，尤其是舞蹈藝術為主要表現形式時，服裝更要重視舒適度。舞劇演員為將不同角色特征展現出來，一般要借助夸大的肢體動作，細膩的表現出人物的內心精神世界，這些特征能夠在演出服裝中獲取。服裝設計人員的藝術理想與審美情感，能夠反映在角色的舞臺展現效果。立體裁剪法、平面裁剪法是兩種不同的舞臺服裝裁剪方式，對于展示性、實用性服裝來說，在裁剪過程中，要將人體結構放在收付，裁剪要貼近人的身體，根據頸、肩、臀、腰、胸等不同角度，將尺寸大小量好，把握好其結構，控制各部位的松緊程度，最大限度做到準確與精細，達到動作伸展自如的要求。而在使用服裝裁剪過程中，縫制工藝手法與結構設計較為固定，標準比較統一，但是這種統一的模式化設計思路是與舞臺服裝設計不相符的，無法滿足舞臺夸張的表現手法。所以，舞臺服裝設計要有一定獨特性，不能以普通服裝設計思想進行設計。服裝設計為滿足舞臺需求，契合演員氣質，要講究縫制工藝、結構設計與裁剪手法，并不斷進行創新。

第2篇：服裝設計的表現手法范文

本文闡述了中國畫藝術精神在現代服裝設計中的傳承，通過對中國畫色彩在現代服裝設計的應用以及中國畫筆墨意象對服裝設計的影響進行研究，以此說明了現代服裝設計在融匯現代印染科學技術和先進手段的同時，必須充分挖掘傳統的民族文化歷史，并與之相融合，才能使服裝設計作品更具感染力與生命力，才能在世界設計舞臺展示中國設計的力量。

關鍵詞：

服裝設計；民族藝術；中國畫

服裝是人類智慧與辛勤勞動的產物，既有物質文明的結晶，又有精神文明的含意。現代服裝設計的發展離不開對傳統藝術文化的傳承，正所謂民族的，才是世界的，中國服裝設計必須立足于傳統藝術文化的基礎之上，才能在世界設計舞臺展示中國設計的力量。中國傳統藝術文化博大精深，是設計師們取之不盡、用之不竭的靈感源泉。中國畫藝術積淀了中華民族數千年的藝術精髓，無論是表現技法還是藝術精神，都對現代服裝設計有很好的借鑒作用。在當今提倡傳承民族傳統文化的時代背景下，服裝設計融匯現代印染科學技術和先進手段的同時，導入中國畫藝術元素，再造服裝設計的“本土語境”，使現代本土的服裝設計更具民族特色與文化內涵。

一、中國畫的藝術精神在現代服裝設計中的傳承

最早出現的服裝是以遮羞為目的，經過歷史的發展逐漸轉變為以保暖為目的，繼而為了滿足人們精神上美的享受，服裝開始注重其裝飾性。服裝設計與中國畫是兩個不同的專業領域，看似沒有太多關聯，但在優秀的服裝設計師眼中，作為傳統藝術瑰寶的中國畫是現代服裝設計最好的靈感來源之一，他們將中國畫的元素與服飾色彩或圖案紋理相融合，不僅把服裝演繹成一件三維的中國畫藝術，也把具有民族特色的服裝設計表現得淋漓盡致。在當今社會經濟快速發展的時代，服裝在滿足了功能性需求的同時，越來越多的人追求張揚個性，喜歡強調自我、突顯自我，而現代服裝設計完全可以滿足人們內心思想變化的需求。隨著中國綜合國力的不斷提升和經濟的高速發展，中國文化在世界設計領域的影響力與日俱增，使眾多西方服裝設計師對中國的民族藝術文化表現出極大興趣，并且開始運用中國畫風格及元素進行服裝作品創作。［1］這些具有中國畫特色的服裝設計作品，讓世界服裝界感受到了耳目一新的中國時尚。服裝設計是一種從生產產品到經營品牌再到營銷時尚的生活方式，同時也是在激烈的市場競爭中通過產業轉型，以流行時尚文化引領大眾消費行為，進而使服裝產品與品牌附加值不斷提升的生產消費過程。在市場經濟環境中，衡量服裝設計成功與否的標準莫過于市場的需求。而設計師的成功與否，在于其作品能否被更多的人所接受，且能否長期主導市場的時尚潮流。只有唯一將文化內涵融入服裝設計之中，創造出獨特的設計風格，才能在激烈的競爭中占據一定的市場份額。正所謂民族的才是世界的，服裝設計也應當堅持走民族化的設計路線，以中國傳統文化精髓為創作源泉，同時擁有獨特的設計語言。而我們所強調的民族化設計，首先應當立足于本民族的文化藝術的借鑒與傳承，其次是要學習和吸收外來民族文化，通過融合與創新不斷實現進步和超越。而博大精深的中國傳統文化正是現代服裝設計靈感和創意的源泉，更加值得設計師們去借鑒和發揚。［2］中國畫是我國傳統藝術的精髓，體現了古人對自然、社會及與之相關聯的政治、哲學、宗教、道德、文藝等方面的綜合認識。中國本土設計在探索新的出路的同時，中國畫自然成為設計師們爭相借鑒的目標。在服裝設計領域，借鑒中國畫造型元素與表現形式進行設計的服裝作品，不僅豐富了服裝設計的表現手法，同時也為其他設計領域帶來新的設計思維，進而在國際設計的舞臺上將中國傳統文化發揚光大，也為中國整個現代設計行業，提供了更加多元化的發展空間和創意來源。

二、現代服裝設計對中國畫色彩的借鑒與創新

中國畫與西方繪畫都比較重視物體本身的固有色，而中國畫在色彩方面較為獨特的是，既不拘泥于光源冷暖色調的局限，也不強調在特殊光線下的條件色，而是賦予繪畫對象的基本色，達到色與物、線、墨、色的完美調和，其色彩筆墨濃淡層次，墨色淋漓，設色溫潤濃麗，正好與服裝設計追求色彩上的視覺享受這一特點不謀而合。中國畫極為重視黑白墨色之間的關系，通過筆墨的明暗、純度來表達繪畫的意境，并將這種干濕濃淡、虛實相生的處理手法發揮得淋漓盡致。不論是在服裝設計還是在其他設計行業中,黑白灰都是永不過時的經典配色，選擇適當的服裝面料之后，通過虛實明暗的暈染工藝對服裝色彩進行加工處理，進而表現出婀娜多姿、優雅時尚的獨特氣質。例如，北京國際時裝周2011春夏男裝會上，以“簡影”為主題的國內知名男裝品牌“非主流”，時尚流行的造型、合體的剪裁、經典黑白色系組合，印花工藝與拼接手法的運用，樹木的剪影、空間與自然意識概念相結合演繹了空靈的“禪意”。第16屆中國十佳時裝設計師張鴻雁在此次男裝會上，不僅采用了中國畫元素，還結合傳統剪紙藝術造型圖式，在服裝設計的表現上充分體現了中國傳統文化特色，采用樹枝與鳥的圖案為設計元素，以剪紙的形式表現在服裝上，不僅能塑造修身時尚的服裝輪廓外形，又能表現出中國男性含蓄內斂的獨特個性，而奔放的中國畫潑墨元素又給服裝設計帶來灑脫之美，進而將當代流行時尚與中國傳統文化完美融合，以經典、時尚、創意的理念詮釋和展現了傳統文化內涵。

三、中國畫筆墨意象對現代服裝設計的影響

辭書之祖《爾雅》云:“畫，形也。”中國畫的“形”是畫的基本，也是最直接的因素。在中國畫的美學意識中，“形”與“筆法”、“墨法”并不是孤立的，而是有內涵的，并在“似與不似”的美學理論背景下產生與發展。中國畫講究意境，強調“神似”，正所謂“意到筆不到”，“神似”是中國畫“形”的最高境界。因此，千百年來中國畫藝術特別注重的“形神兼備”，而毛筆、水墨與宣紙等繪畫工具和材料決定了中國畫的表現手法是以線為主的筆墨。如果說油畫是體面與色彩的交響樂，那么中國畫就是點線與水墨的協奏曲，明末清初著名的書畫家惲南田說:“有筆有墨謂之畫。”講究用筆用墨，推崇有筆有墨，追求筆意墨致，成為人們衡量中國畫優劣的重要標準。［3］南齊謝赫提出中國繪畫上的“六法”論，其中就有“骨法，用筆是也”之說，就是指靈活運用筆墨來塑造形體，既有干濕濃淡的筆墨，又飽含內在的審美情趣，筆中有物，有神有氣。在中國畫創作過程中，通過用筆之勾勒點染，運筆之輕重緩急等不同處理，產生變化豐富的筆觸墨跡，表達出不同的審美趣味，平面設計中的肌理效果與其有著相似之處，但筆墨卻比肌理更易于畫家情感的表達，近代著名畫家黃賓虹說過“畫之氣韻出于筆墨”，這也說明中國畫有著豐富的形與質的表現。在現代服裝設計中運用中國畫虛實相生的筆墨元素，就會增添更加豐富的視覺效果。中國著名女設計師梁子于2006年11月的時裝會以幽靜空靈的“濡”為主題，并由此揭開了服裝文化發散升華的設計序幕。每一件服裝設計作品都采用手繪的中國畫元素，其形象取自荷花淀、牡丹花叢或竹林，并且與服裝材料完美結合，讓人感受到中國水墨畫與時裝藝術完美結合的意境，使時裝會宛如一幅動態的水墨畫，飄逸灑脫，極具東方情調。吉林藝術學院設計學院馬唯在2008年中國“名瑞杯”晚禮服設計大賽中的金獎作品《水墨•蝶》，以傳統水墨的技法繪出墨蝶的形條，面料主體采用光澤質厚的大緞和輕薄通透的真絲絹，并通過吊染的工藝對其進行處理。之后在頭飾、肩部、下擺等位置使用的面料飄逸的真絲絹，從而產生水墨暈染的效果，整體服裝設計散發著傳統中國畫的墨韻余香，使人感到優雅、簡潔、淡然。由此可見，中國傳統文化已成為中國本土設計的最佳創作源泉，設計師們從傳統文化的精髓獲得創作靈感并運用到現代設計之中，將有中國特色標簽的設計推向世界舞臺。［4］現代服裝設計對氣韻生動的中國畫元素的借鑒，用水墨畫抽象方式提取服裝色彩，不僅是對中國傳統文化的傳承和拓展，也是現代審美特征與傳統審美經驗的完美融合，使衣亦畫、畫亦衣成為可能，進而創造出具有獨特民族文化和鮮明時代特征的服裝設計作品，對保持及弘揚中國藝術設計的本體特征具有重要意義。

四、結束語

隨著中國經濟實力的增強和中國傳統文化的復蘇，更多的國內外知名設計師越來越重視中國傳統文化元素，并將其與服裝設計相融合，不僅可以進一步提升服裝設計的美感，更體現了本土設計對民族傳統藝術的傳承與弘揚。服裝設計是藝術和技術的結合、科學和藝術的融合，也是一個極具藝術魅力的行業，是“美”和“用”相結合的產物。要讓服裝設計更具民族特色與文化底蘊，就必須堅持創作立足于本民族的傳統文化，衷中參西，用最時尚的設計手法表現最傳統的文化元素。中國畫獨具特色的藝術表現形式為服裝設計獨具匠心的構思增添了具體價值的表現形態，為服裝設計提供了一種創作思想及表現手法。

作者：李玲 蔡夢雅 單位：宿州學院美術與設計學院

參考文獻：

［1］閆永忠.中國畫元素在現代服裝設計中的運用［D］.石家莊：河北大學，2013:76.

［2］苗靖.現代服裝設計中傳統服飾元素的應用分析［J］.長沙：長沙鐵道學院學報，2012:51.

第3篇：服裝設計的表現手法范文

從20世紀60年代起，后現代主義思潮一前所未有的速度席卷了全世界，對包括工業設計、服裝設計、平面設計和工業設計在內的設計行業都產生了極其深遠的影響。涂鴉文化無論是從其藝術性或是社會性來說，都是一種典型的“后現代主義”的行為和形式。于是，無數的設計師在尋求自身價值的同時，把目光投向了涂鴉這個獨特的藝術形式，將涂鴉圖案融入自己設計作品。所以，現代服裝設計和涂鴉地結合在極大程度上也表現出現代服裝設計對后現代主義的需求。無論是從外在形式或是內在氣質，涂鴉都很好地詮釋了其代表的服裝時代個性。對比保守的中產階級品味，涂鴉文化的活力、自由甚至是破壞力，讓涂鴉逐漸成為服裝時尚界創造新刺激和結構傳統的挖寶之地。對大部分服裝設計師來說，后現代主義的服裝設計觀已不再單純體現傳統價值觀，更表現了設計師對周圍環境的應激和對個體的需求，哪怕這種應激和需求是毫不實際。涂鴉充滿了對現代社會的調侃和影射，是一種典型的后現代主義形式。涂鴉手法是現代服裝設計大師喜愛的慣用手法，運用非洲圖案，色彩十分鮮明，涉及美國社會有色人種方面話題，可以說是有色人種在美國社會中的典型例子。涂鴉藝術具有一種屬于年輕人的野性和自由感，這些新鮮的元素是米蘭巴黎這些主流時尚圈不具備的，為現代服裝設計帶來新的啟發。一些年輕設計師在談起涂鴉藝術的時候，認為其能給他們帶來興奮感。服裝設計者對涂鴉有一種天然的親近，他們認為涂鴉藝術是他們對于設計和藝術理解的塊段，包括色彩、組合、線條、造型以及每一個圖形元素具有的普遍感情和原創意義，開始將涂鴉圖案在去設計的服裝中應用。一些涂鴉圖案和字體被運用到面料的設計中，使設計呈現出一種全新面貌。當然，涂鴉的意義不僅在于對面料的改造，更在于它是種從心底迸發的需求，有著自身的情感，而用這些情感來表達設計才是涂鴉精神帶給我們最大的影響。對于如今的服裝設計師來說，可用的素材太多，常常讓他們失去了自己的個性及原創性，設計出的服裝缺少靈魂。真正優秀的創意應是憑借自身的直覺和情感，這樣設計出的作品才能打動人。涂鴉這種表現形式沖破了傳統的禁錮，源自與設計者的內心，體現了設計者精神上的返璞歸真。

二、涂鴉圖案對服裝行業的影響

在當下社會的消費品市場，涂鴉圖案已經從初期簡單的實驗轉變為有很大的社會影響力的文化符號和視覺符號。在人們現實生活中這種文化符號隨處可見，不管是在家居、日用品還是服裝。這些文化符號體現了現代人不同群體的消費觀和價值觀，同時也體現了現代社會價值觀的多元化。對于現代的服裝設計，文化符號是重要的設計元素。首先，文化符號體現了所屬社會的價值取向和文化背景，不管是圖案、造型或是色彩上的文化符號都表現了設計的時代特征，這也正是服裝作為消費品的檢驗標準。其次本隨著大眾媒體的引導及宣傳，服裝品牌具有更多的象征意義，民眾通過服裝的消費漸漸構建自我和社會的認同感，在消費和社會意識見建立起一種聯系，繼而不斷改進服裝產業的消費及營銷模式。

三、結語

第4篇：服裝設計的表現手法范文

（一）具象表達設計

1.采用直接移用方法

所謂直接移用，主要是指在服裝設計中，根據服裝整體的設計主題以及設計風格直接移用瓷器裂紋，搭配恰當的色彩。一般直接移用是最常見、最容易掌握的一種設計方法。比如，可以在真絲上衣上直接印染瓷器裂紋搭配出飄逸的雪紡長裙，這樣可以將女性的天然、自然、純凈的一面充分展示出來。然而在設計時應用直接移用的方法的話，極易出現設計死板、紋樣套用等情況。

2.采用變化形方法

所謂變化形主要是在保留瓷器裂紋本質的基礎上，變化其形貌進行設計，可以變化點、面、大小等元素。

（1）變化形類型

瓷器裂紋應用于服裝設計中采用的變化形類型主要包括以下兩種：第一種是舍棄、保留。也就是指選取保留裂紋元素的某一方面，然后再擠壓、拆解、夸張、重疊、分離其他方面形成一定的變化。比如可以保留服裝面料圖案中的瓷器裂紋線，這樣擠壓面會有更多重疊、交錯凌亂的變形設計。又比如可以將裂紋的塊面感保留下來，然后分離、規整裂紋線，最后在新的塊面上補充一些新紋路；第二種也就是變換象形，這種設計方法實際上是模仿了形貌變化設計理念。扭曲、裝飾裂紋線的“K”形、“X”形以及人形等，使其代表新的形象內容。比如，裝飾變化、扭曲變形裂紋線，經過變換象形后可以展示出繁花似錦的裝飾美，也可以表現出藤蔓纏繞的野性美。總之，變換象形后可以使瓷器裂紋和服裝整個的設計風格以及設計主題更加貼近，更容易引起人們的聯想，靈活性相對比較強。

（2）接合變化形的方式

接合單個形后慢慢構成了整體的瓷器紋樣，因此瓷器裂紋的節奏美以及次序美更加突出。現代服裝設計中不僅可以采用變化形，同時還會應用變化結合排列方式設計，通常排列結合方式包括無序排列和有序排列兩種方式。有序排列方式。這種排列方式主要是立足于理性角度，根據一定規律有序地進行排列組合，包括比例排列、漸變排列、平均排列等方式。平均排列組合相同的紋形大小、紋形形狀等可以使服裝顯得更加莊重、簡潔。其中漸變排列主要是根據疏密、深淺、大小等組合排列單個裂紋。比如按照自上到下的方式將裂紋面積擴大，將疏密程度進行變化，形成一種節奏美，然后設計成純凈、自然、高貴的晚禮服，這種設計方式的風格比較隨意、熱情。

（二）采用抽象表達設計方法

在服裝設計中應用瓷器裂紋，不僅需要應用、變化裂紋形，更重要的是要在服裝中融入其意蘊美。和“形”的表達具有很大不同，“意”的表達往往比較簡單化，結合一些獨特的服裝造型或者相關的工藝手法、材料等進行象征式的抽象表達，這種表達和具象描述有很大差異，對于情感表達更加注重。在設計中將裂紋元素的某些形態特征弱化，重點體現出服裝設計中瓷器裂紋的意蘊，或者是以瓷器裂紋的一種美學性作為表現手法或者靈感，然后融合現代服裝特點設計。在服裝的實際設計過程中，在設計前期進行構思時一定要緊扣設計風格以及設計主題，因為所有的元素靈感都是為了服裝設計，將服裝設計風格確定后一定要找準切入點，然后在整個設計中始終貫穿這個主題風格，在設計中千萬不能局限于某種單一的設計表現手法，也不能一味地強調形、意的界限，這樣很容易導致本末倒置，也可能會導致設計作品顯得沒有表現力。

二、在服裝設計中實現瓷器裂紋工藝的方法

（一）實現平面效果的方法

通過提花、扎染、印花、繡花、蠟染等諸多方法可以實現瓷器裂紋的平面效果。提花以及繡花的方法主要是在織造的過程中表現出裂紋效果，這樣的織紋面料在平面上觸摸會有凹凸不平的感覺，其表現出的光澤效果和平布印染有很大差異，因此也被廣泛應用。扎染主要是在染液中捆扎繩子、線進行煮染，這樣產生的效果類似于蠟染，而且在捆扎的外力作用下也會產生裂紋、暈染的肌理效果。印花產生的裂紋效果可以基本滿足設計圖的色彩搭配以及紋樣造型，這種方法適用范圍較廣，很少會有限制，通常不會對服裝面料自身的手感、風格造成影響，如果是批量生產的話所需成本較低，因此被廣泛應用于實際市場中。蠟染以及扎染都是一種傳統手工藝，通過蠟染得到的裂紋紋路的濃淡、粗細、深淺都有所差異，有的地方若隱若現，有的非常深邃，虛實夾生，有一種自然的變化，給人一種非常獨特的感受，在民族風的現代服裝設計中應用較多。

（二）實現立體效果的工藝方法

服裝面料工藝在現代工藝技術不斷發展的形勢下變得越來越多樣化，也有非常豐富的肌理效果，根據瓷器裂紋的基本特點可以通過多種方法實現其立體效果，比如疊加、皺褶、鏤空、編織等。立體效果相對于平面效果的瓷器裂紋而言，空間感、層次感更加強烈，而且也具有非常豐富的視覺效果。疊加主要是將裂紋面進行粘合，或者是縫制面料的表面裂紋線。結合服裝設計效果，可以疊加處理成多種風格，比如面料薄透的話，可以順著設計紋路將遮擋的面輔料粘合起來，這樣一方面可以具有裂紋效果，另一方面也可以實現遮擋身體的功能，整個服裝的可穿性大大增加。褶皺可以將面料的質感以及光澤改變，突出面料的層次感以及動感，從而使面料可以完美地結合瓷器裂紋的美感，賦予整個服裝更多的光彩。鏤空主要是對服裝面料進行腐蝕加工、切割雕刻等處理方法，最開始這種方法應用于建筑設計中，在服裝設計中往往是比較硬挺的面料會應用到鏤空工藝。編織有機器編織、手工編織等方式，不同的編織方法產生的裂紋效果的風格也會有所不同，在服裝設計時可以直接編織出瓷器裂紋這種花型，可以產生刺繡、蕾絲的效果。

三、結語

第5篇：服裝設計的表現手法范文

關鍵詞：審美自由；想象力；創新；表現形式；技能規范

在服裝美術設計課中，我們所說的審美自由，應該是通過審美主體的想象喚醒人內心深處對自由的渴望。服裝的美是一種自由，是解放，是舒適，是沒有雜念的徹底放松和愉悅，它可使審美主體賞心悅目。

服裝美術設計課正是以服裝為載體來創造美、表現美的，美與時間、環境、審美主體密不可分，審美是自由的，更為重要的是，我們在服裝設計中的想象力也應該是符合美的秩序的想象力。一個成功的設計師也正是由于把內容交付給了審美秩序而取得成功的。

在服裝美術設計課中，我要求學生不受限制地想象，大膽提出自己獨特的想法，展示自己對美的理解。構思與表現是服裝美術設計課中的主要內容。服裝設計的表現一般有三種形式：服裝款式圖、服裝效果圖、時裝畫，每一種表現形式都有不同的技能要求。一堂成功的服裝美術設計課應該既能體現審美自由又能做到技能規范，因此我經常在學生團隊完成設計任務的教學中通過兩大步驟來實現教學目標。

一、超越審美經驗，實現審美自由

審美需要自由，審美也創造了自由。但在具體的服裝設計課中，同學們常常有這樣的困惑：到底設計出怎樣的服裝才是成功的，當發散思維達到一定程度之后，我們又該如何篩選和綜合，最終讓零散的思維變得清晰起來，并找到一個恰當的切入點，通過具體的造型、款式、色彩、面料等形成具體的服裝形象。在這樣一個構思過程中，個人的認知、情感和審美經驗發揮了巨大作用。

我把服裝班的學生分成5個團隊，每個團隊在接到設計任務時常常要完成以下幾個內容：首先，團隊合作，集體收集信息，明確設計任務，具體包括明確穿著對象及穿著目的，為設計準確定位等內容。其次，組內同學接到具體任務后開始單獨構思，多做聯想和想象，構思的數量要越多越好，不求完整，可以讓想法和想法之間存在較大差異，具有跳躍性，反對求全責備和一票否定，整個構思過程呈散射狀，從而努力尋求思維創新的線索。服裝設計是一門藝術，雖然需要理性但也需要創造的激情，更需要人的直覺和自由，而每個人的思維是因人而異、不可替代的，我們要給同學們足夠的思維空間去創造美的服裝形象。最后，集體討論，在這個展示和討論的過程中，我們可以注意到每個學生的審美和品味與他的個性品質、人格傾向和知識經驗等都密不可分。

在這個階段，最大的難點就在于如何突破已有的服裝形象，不受傳統審美經驗的束縛，創造出令人愉悅的服裝形象。在學生構思之前，我往往會讓他們聽幾段優美的音樂，或欣賞幾幅有特色的圖片，引導他們利用局外信息，從其他的領域或離得較遠的事物中得到新的想法，可以說，生活中任何美好的事物，都可以給我們帶來美好的想象和啟示，當然也都可以轉化為服裝的設計語言，服裝設計并非一定要從他人成功的服裝作品中得到靈感。在這個過程中，我往往會讓他們先完成設計構思，然后再欣賞他人的服裝作品。而在評講時，我會讓他們比較自己的作品和別人的作品，分析并討論，以提高他們的審美能力，為下一次作業更好地發揮奠定基礎。

二、表現手法的選擇與規范

在構思的初級階段，同學們可以不受限制地自由想象，但隨著構思的深入，由發散思維過渡到集中思維，最終形成清晰的、具體的服裝形象后，同學們還必須通過一定的形式把這個形象表現出來，比如說服裝效果圖，這里就涉及一個技能規范的問題。首先，服裝人體不同于真實的人體，它是真實人體經過夸張和裝飾美化后的人體，一般寫實的服裝人體比例在8.5~10個頭之間。我們首先要把這個衣服架子的比例和姿態表現出來，再添加服裝效果。值得注意的是，服裝與人體的比例、角度要一致，服裝會隨著人體的姿態和動作產生相應的衣紋和變化。面料不同，線條的表現手法也就不同，這里的練習一定要規范，如何熟練地畫出線描稿很關鍵，經常有同學畫著半側的人體卻穿著正面的衣服，或者是衣服沒有隨人體動作產生衣紋，而是將款式圖生硬地套在人體上，這樣服裝效果圖就顯得僵硬、不自然，不能展示好的著裝效果，也就無法將自己想象的美感準確地表達出來，我們常說的心有余而力不足大概就是指這種情況了。因此，規范的技能練習就顯得舉足輕重了。當然，熟練地畫出線描稿還不是最終目標，對于配色的構想也要求同學們表現出來，那么如何調色、如何著色、如何用筆等都要有規范的要求。服裝設計思維是一種形象思維，最終要靠“圖”或“畫”來表現自己的構思。因此，服裝美術課上不僅要訓練學生敏銳的觀察力、寬泛的聯想力和豐富的想象力，更要訓練規范的美術表現能力。

第6篇：服裝設計的表現手法范文

關鍵詞：中國元素；服裝設計；工藝表現；應用

1 中國元素與現代服裝設計結合的意義

中國服裝業經歷了長期快速的發展， “中國制造”的服裝出現在世界各地。但在服裝貿易上中國服裝業并沒有多大的利潤空間。因為在整個服裝產業鏈中，中國服裝業接觸最多的是下游的加工制作，而上游的設計開發、流行品牌推廣等環節較少涉及。如何應用中國元素于現代服裝設計中？ 如何使中國服裝業從“中國制造”轉變成“中國創造”，使中國的服裝產品真正在融入世界時尚的同時又擁有“中國風格”，就成為中國服裝業界共同努力的目標。

從2008年的奧運年之后，在國際時尚大潮中，中國風越刮越強勁。特別是，最近幾年國際大牌在設計中巧妙地運用了眾多中國元素，將中國風玩出新高度。擁有5000年歷史的中國，以深厚的文化積淀讓“中國風”在國際舞臺大放異彩，頻繁被頂尖時尚大牌們演繹。在2016年米蘭時裝周中，沉醉在西西里故鄉的熱鬧和人海中的Dolce和Gabbana兩位設計師，這回讓意大利紳士們穿著中國皇帝新衣走進秀場，其2016秋冬男裝是在自己傳統的西西里風情基礎上融入了中國元素，印花上大量采用工筆畫的花鳥魚蟲與植物。此外，中國紅、刺繡、旗袍、龍鳳、祥云、仙鶴等更是體現了外國人對中國符號的理解。這樣的趨勢在2017年國際四大時裝周中體現得更加明顯，更為普遍，愛馬仕推出馬年主題系列首飾；Burberry推出印有“福”字樣的圍巾；Gucci的“竹節”包設計靈感來源于中國的竹子；Dior的限量馬鞍包則運用了東方巨龍為產品增添神秘色彩。

2 中國元素在現代服裝設計中的應用原則

當談及富含中國元素的服裝設計時，很多設計師按照固定的思維模式都會自然而然想到旗袍、馬褂、坎肩，以及盤扣、刺繡等裝飾圖案。把傳統服飾中的某些局部元素直接搬用到服裝設計中，進行凌亂的拼湊、堆砌。由于沒有把握住中國傳統服飾文化內在的精神，這些作品雖有一定視覺效果，但走下舞臺也就結束了它們的生命。但高明的設計師更注重的卻是將現代的生活理念融入設計中，對傳統的款式造型進行重新演繹。

首先，中國傳統元素必須建立在時尚潮流的基礎之上，然后傳統文化元素巧妙的融入其中，不能一蹴而就的再現復古及簡單地拼接。也只有如此，才能彰顯傳統文化，又能順應市場需求并贏得消費者青睞。如在現代時裝外形輪廓基礎上大做局部文章，以尋求創新和突破之處，并以實現現代設計與傳統民族元素的完美結合。最常用的設計手法有采用中國工藝材料和圖案色彩或裝飾或打破基本固定的款式造型。

其次，在設計上要以中國傳統紋樣和傳統色彩為切入點，把日益盛行的簡歐風格進行整合兼融。而在這些紋樣和色彩方面，不能僅僅停留在對龍、花卉、青花瓷、中國結、京劇臉譜等紋樣的簡單復制，更需要進一步挖掘中國人文氣息的元素，如中國的水墨畫、皮影、織錦、拉染、扎染等。使中國傳統元素的神秘與玄妙和西方時尚元素的大氣和開放互相融合，互為補充，才能真正刷新全球服裝界，從而推進“中國風”在世界流行。

3 典型中國文化元素在現代服裝制作中的設計和工藝分析

3.1 臉譜的設計應用

戲曲臉譜圖案豐富，色彩鮮明，具有很強烈的裝飾效果，不同的臉譜代表了不同的人物性格。每一件服裝都有自己的性格，將戲曲臉譜藝術以一種特殊的方式融入服飾設計當中，凸顯了服裝鮮明的特色，也是一種藝術與時尚的完美融合。Valentino在2005年秋冬作品展示會上直接將京劇臉譜變成了隨身配飾，將京劇臉譜扣飾別在衣服上，掛在包上，或者插在盤起的頭發上。

工藝分析：臉譜圖案在服裝中的表現可以是貼布、刺繡、印染等工藝手法，不同的工藝手法應用，表現出的臉譜圖案也有不同的效果。比如在采用刺繡工藝的時候，可以采用特定的排線手法，表現出圖案的深淺色調以及不平整的紋理和反光效果。而用貼布工藝的時候，表現的圖案是平面大氣的。

3.2 剪紙的設計應用

剪紙藝術以它濃烈的地域風情，和深刻的情感內涵得到中外服裝設計大師們的青睞2013年春夏巴黎時裝周上，中國臺灣時裝品牌“夏姿?陳”（Shiatzy Chen）將中國傳統的“剪紙”元素融入本季設計中，作品運用大量的雕刻、鏤空、精準對稱的線條、近乎抽象符號化與程式化的表現手法，大膽明艷的用色搭配大面積剪紙印花圖騰，為國際時尚界奉獻了一場融合東西方藝術靈感的視覺盛宴。

工藝分析：剪紙最大特點就是鏤空效果，強調的是一種透和遮的關系。傳統的剪、刻工藝只適合少量的服裝生產，而服裝激光切割機等現代生產設備可直接完成面料的鏤空雕花，為剪紙類服裝的批量生產提供了設備保障。

3.3 年畫的設計應用

中國年畫色彩比較艷麗、強烈，常常用對比色，傳達歡快、喜慶、祈福的情感，烘托出節日的美好氛圍。選擇年畫圖案的位置、大小、疏密和方向都需要運用形式美的原理和方法，以彌補穿著者自身在比例上的一些缺陷，達到視覺的協調和美感。作品《一璇一璣》，吸取了“福娃”造型，應用在服裝的胸前、腰部、胯部等主要部位，體現女性“S”型的優美曲線。整個系列的設計在色彩上采用傳統的大紅色作為主色調，點綴的青、綠、紅、白、黑等色彩，民族文化的感覺十分強烈。

工藝分析：在圖案的表現上可以數碼印花等工藝手法。轉移印花是最近幾年比較流行的表現圖案的方法，具體操作如下：先將染料色料印在轉移印花紙上，然后在轉移印花時通過熱處理使圖案中染料轉移到紡織品上，并固著形成圖案。數碼印花操作簡單靈活，印花色彩鮮艷，層次豐富而清晰，藝術性高，立體感強，為一般方法印花所不及，適合服裝的局部裝飾。

3.4 水墨畫的設計應用

中國的水墨畫以墨色的焦、濃、重、淡、清產生豐富的變化，表現物象，有獨到的藝術效果。水墨印花仿佛可以讓時裝產生靈魂，散發出獨特的文藝傳統氣息。2011年中國國際時裝周上，設計師薄濤以“水墨丹青”為題專場作品。贏得了時尚界的好評。2016春夏時裝周，Dior的設計師John Galliano則另辟蹊徑地運用中國山水國畫的潑墨手法在白色的面料上畫上了黑色的花朵，以紅色點綴，立刻呈現簡練的清雅之美。

工藝分析：水墨元素最適合用手繪的方式表達。采用丙烯顏料或者是紡織染料直接布料用毛筆畫出，或在手繪圖案外覆蓋了一層有垂墜感的半透布料。當模特走來裙子不規律搖擺的時候，水墨仿佛在裙面上流動，水墨元素被動態地表達出來。

參考文獻：

[1] 陳苗苗，佟倩鈺.論中國傳統文化元素對現代文化的影響[J].藝術科技，2015（03）.

第7篇：服裝設計的表現手法范文

關鍵字：剪紙藝術；服裝設計；應用

民間剪紙具有悠久的發展歷史，但是史料中的相關記載并不多，其在唐朝時期得到普及，這與當時開放的文化環境有很大關系。隨著中國特色社會主義文化建設的推進，人們對傳統文化的認識越來越深入，對剪紙藝術的保護力度逐漸加大。當前該項藝術被廣泛應用于服裝設計中，并取得了不錯的效果，可以說既豐富了服裝設計理念和方法，同時又實現了對我國傳統剪紙文化的傳承和發揚。

一、剪紙藝術概述

剪紙就是在紙上剪刻出藝術形象，一般采用的是鏤空手法，這是我國古代勞動人民在生活中創造出來的，用剪紙來表達自己對生活的感悟以及對美好生活的向往。剪紙藝術發展到今天，已經與電腦科技結合起來，表現力更強。從表現形式上來看，可以分為單色、彩色、陰刻、陽刻等。剪紙藝術與服裝設計的聯系非常緊密，設計師會從優秀的剪紙藝術作品中尋找靈感，設計出獨特的服裝風格。一方面，剪紙藝術的裝飾性很強，從色彩上來說一般比較濃艷，色彩對比非常強烈，給人一種淳樸華美之感；另一方面，剪紙藝術的寓意性很強，表達人們對豐收、長壽、富貴等的向往。將剪紙藝術應用于服裝設計中，是對我國這一民間傳統文化的繼承和發揚，同時也為服裝設計師們提供了新的設計思路，可謂一舉兩得[1]。

二、剪紙藝術在服裝設計中的實際運用

1、剪紙構圖與服裝設計

剪紙構圖的最大特征就是平面化取物，由于剪紙作品的創作材料基本上是紙張，因此無法創作出三維立體形象，但是創作中非常善于三維向二維的轉化。創作者會根據自己的理解對現實形象進行二次創作，大膽取舍，用非常簡單的線條實現對復雜形象的概括。這種創作方式具有自由性的特征，在構圖上打破了空間以及比例關系的限制，形成了統一的畫面。將這種方式應用于服裝設計中，就會給人一種耳目一新的感覺。例如，很多具有民族特色的包在設計時就會選擇這種平面式構圖，將動物和植物直接組合，不采用交叉的方式，給人一種自由、隨性之感[2]。剪紙在構圖造型上最大的特征就是夸張，創作者們將自己對大自然和生活的觀察展現在作品中，但是絕不是簡單的臨摹，而是加入了創作者的想象。對剪紙造型進行研究我們會發現，其往往要比現實形象更加夸張、引人注目。例如，民族服裝設計中就會采用夸張的鏤空動物圖案，如老虎、獅子等，展現出一種獨特的夸張美。

2、剪紙工藝技法與服裝設計

剪紙藝術的材料雖然比較單一，但是我國古代勞動人民憑借自身智慧和豐富的生活經驗創造出了很多技法，除了鏤空之外，還包括拼接、剪、印染以及刻等。由于服裝設計具有一定的特殊性，因此并不是所有的剪紙技法都適合用于其中，經過設計師的探索與實踐，證明以下幾種方法比較適合：一是印染，比較經典的就是水漿印花，就是將剪紙圖案上的花紋直接印在淺色面料上，最大的優勢就是花位牢度很好、成本低，因此應用非常廣泛，目前服裝設計中仍舊經常采用這種方法；二是拼接，就是創作者將不同類型的剪紙拼接在一起，這種差別可能體現在色彩上，或者是體現在材質上，最終形成新的作品。這種方法應用在服裝設計中，就可以取得不錯的效果。例如在設計裙擺時，很多設計時就會選擇將不同顏色以及不同面料的材料拼接起來，就會給人一種很強的層次感。第三是鏤空，這是剪紙中最常使用的技法，可以使作品中的形象更加生動有趣，提高畫面的豐富度，這種技法也非常適合應用于服裝設計中。值得注意的是鏤空服裝并不代表單純的，而是要在性感中體現出含蓄，一方面要帶給人一種獨特的視覺效果，另一方面是要留下想象空間，給人一種意蘊豐富的感覺。

3、剪紙藝術中的色彩與服裝設計

剪紙藝術中的色彩分為兩種，一種是單色，一種是多色，其色彩表現形式也被廣泛應用于服裝設計中，具體如下：首先是單色，通常情況下，如果剪紙作品被應用于美化室內中就會選擇單色。單色剪紙的最大特點就是虛實對比明顯，紅色主要用于烘托喜慶氣氛，黑色和白色則給人一種明快醒目之感，具備較強的感染力。很多禮服設計中就會采用這種單色表現手法，例如，襯底采用白色的透明紗，外部選擇黑色鏤空，黑白單色的鮮明對比會給人一種工藝精美之感[3]。彩色剪紙中包含兩種或者兩種以上的顏色，可以用白色剪紙剪完以后再在上面染色，或者直接將多種色紙剪疊在同一個畫面上。前者是被稱為點色，后者可以采用套色、分色或者是襯色。其中套色是要將不同顏色的部位一一貼在背面上，顏色要事先設計好，完成之后再將多余的部分剪掉。很多民族服裝的設計中就會選擇多色表現形式，例如，某設計師就將中國傳統古典元素作為色彩基礎進行服裝設計，經典的梅、蘭、竹、菊色彩與剪紙手法融合在一起，將四個經典元素的顏色統一成整體，動中有靜、靜中有動，展現出獨特的韻味，再在其中加入一些現代元素，帶給人一種既淡雅、又活潑的感覺。

三、總結

剪紙藝術是我國的傳統文化，是中國勞動人民智慧的結晶，其獨特的構圖、技法以及色彩表現形式為服裝設計帶來啟發，無論是在民族服裝中還是在現代服裝設計中，都會將其作為參考。實踐證明，將剪紙藝術應用于服裝設計中，可以取得良好效果，大大豐富了服裝設計手段，同時實現了對剪紙文化的繼承與發揚。

作者:陸凡 單位:武漢紡織大學

參考文獻:

[1]亓妍妍.陜西剪紙藝術元素在現代服裝中的設計應用與研究[J].大眾文藝,2010，14（10）12:158.

第8篇：服裝設計的表現手法范文

[關鍵詞] 電影；藝術美感；空間設計

一、電影空間設計概述

（一）電影空間設計的含義

電影不僅僅是文化傳播的載體，電影其實更是一門空間藝術。隨著現代電影制作技術的提高，人們在觀看電影的時候無一不感受到影片隨處展現的空間立體概念。最初的空間設計，也僅僅是在建筑領域運用，是指在建筑外觀設計完成之后，對建筑內部進行的設計，它包括裝修與裝飾兩個方面，裝修是指對室內空間界面（地面、墻面、頂棚）的處理，裝飾是指通過室內的家具、織物、陳設等對室內進行的二度布置。空間設計不僅反映人的品位、性格，更能營造出一種特殊的氛圍，不同的空間設計形式，會形成一個全新的空間環境，體現新的理念。

電影的空間設計不僅可以利用電影表現手法展現空間環境，也可以利用化妝、服飾等達到空間視覺效果。電影中的空間設計藝術，不僅能烘托影片的氛圍，渲染一種空間藝術魅力，還能給予觀眾比較大的視覺震撼力，在影片與觀眾之間形成共鳴。

電影空間設計是指為達到強化影片的視覺表現力，以影片劇情為依托，通過各種影片表現手法刻畫人物性格、渲染人物情感、突出影片主題，在影片的造型與視覺表現上呈現出活躍鮮明、內容豐富、層次明顯、效果逼真的影片魅力。

（二）電影空間設計的表現手法

1.蒙太奇

從法文“montage”音譯而來的“蒙太奇”原是指在建筑學中的構成、裝配的意思。隨著電影元素的發展，蒙太奇越來越多的運用到電影創作中，成為電影的主要敘述及表現手法。完整的影片需要多個電影鏡頭組接而成，這個鏡頭的組接其實就是選擇與處理現實的方法，蒙太奇表現手法就是導演按照劇本或影片的主題思想，將分拍的影片鏡頭有機地、藝術地剪輯在一起，使各個鏡頭之間有連貫性、對比性、想象空間及突出影片主題等。電影的空間設計離不開蒙太奇表現手法，一部好的影片，不僅給人一種心靈上的啟發與享受，更有比較逼真的視覺效果，能在影片中展示電影的魅力及獨特的視角是每部影片追求的靈魂，如何能在影片拍攝中運用電影手法，營造良好的影視視角與效果，是電影空間設計必須考慮的因素。

蒙太奇的表現手法在無聲電影時代使用較多，最初的電影注重視覺效果，片面強調影片的形象特征，將電影與文學及戲劇加以區分。蒙太奇的表現手法注重時間的表達，是時間的美學。雖然無聲電影在表現影片空間上的效果遠遠沒有當今影片的豐富，但是在20世紀作為無聲電影的主要手段——蒙太奇，雖然注重時間鏡頭的組織而不是空間，但是影片的空間設計不僅包括空間場景的設計，更有時間的組織。蒙太奇的影片表現手法展現影片的視覺藝術，強化視覺表現力。

2.電影場景設計

電影空間設計是在影片中非常重要的一個環節，在進行空間場景設計時一定要了解攝影機、剪接的概念，才能有效地配合設計。現在的觀眾越來越注重影片所能展現的豐富空間藝術，越來越希望感受更為層次分明、色彩豐富的影片空間環境。影片的拍攝是需要以市場為導向，有的影片為了達到觀眾期望值，不惜斥巨資在電影場景設計中使用各種空間設計，特別是采用一些難度較高的特技來吸引觀眾的眼球，達到更好的影片效果。

電影場景設計是指除卻影片角色外，對影片中其他相關對象的造型設計，包含了對電影主體起主要襯托作用的動態和靜態相統一的時空環境藝術設計。電影主題制約電影中空間環境的形式、色彩、道具陳設等設計要素，場景空間形式、色彩基調、道具陳設等設計又反過來影響電影主題的表達。

（三）電影空間設計的類型

1.電影空間設計根據空間環境的真實性與否為標準，劃分為真實空間設計與布景空間設計。真實空間設計是指通過改變根據影片建造場景的內部結構（包括色彩、陳設等），或利用真實的自然場景，或是人類的文化遺產景象，對這些景象加以改造、裝飾等，使之符合影片表達的需要，使場景中的建筑、風格等與影片所表達的主題一致，達到影片效果逼真的視覺感受。真實的空間設計需要劇組耗費人力物力去搭建場景，雖然實景設計能更有效地襯托影片氛圍，如一些清宮影片往往是在一些現代仿造的建筑內拍攝，使觀眾能感受到紫禁城的輝煌雄偉、宮廷的奢靡氛圍。當然實景設計存在缺陷，由于建筑的結構固定，能給劇組發揮的自由度就變小，不利于劇組根據影片做出較大的改動。

2.從人類活動空間來看，又可以將電影空間設計分為建筑空間設計和自然環境空間設計。建筑空間是人類生存與發展的物質條件，在歷史發展的過程中蘊涵一定的文化價值，在特定的建筑空間內安排一定的故事情節，極易將觀眾帶回到故事情節發展的情景當中，也是許多著名影片獲得成功的關鍵所在。自然環境空間設計雖然沒有建筑空間那樣擁有人類活動的痕跡，有人文氛圍，但是它的可貴之處是不加修飾、自然地展現影片豐富的人文與藝術氛圍。

二、電影空間設計展現的藝術美感

影視是一門綜合性的藝術，不僅包括詩歌、音樂、舞蹈的元素，還將建筑、繪畫、雕塑等空間藝術結合在一起，是對傳統藝術的再創造。為了滿足人們的視覺效果及審美觀、觀賞情趣，影片采用空間設計手法來展現真實的情景，展現了藝術美感。制作人對影片的制作，采用的手法無不透露出該制作人的心思，影片通過塑造空間、時間、地點的情境，改變人們對外在世界的概念，電影空間作為現實世界的再現或反映，不再是真實空間的呈現，而是一種超越，改變人們對傳統空間的認知。每一部電影所展現的空間環境都是不一樣的，通過不同的電影表現手法、化妝、服飾、場景布置等空間設計豐富影片的文化內涵，向觀眾展示影片的藝術美感。人們喜歡電影不僅是因為電影情節吸引人，更是因為電影能帶給人們視覺、聽覺上的享受與美感，不同電影有著不同的場景，影片中夸張的表現手法（如人物裝扮、恐怖場景設置等）或溫馨浪漫的場景都能給觀眾帶來感受。電影是由各種各樣的空間組合而成，電影的成功離不開空間設計藝術。

（一）電影空間設計展現的色彩美

人類對美的追求從來都沒有停止過，一切美好的事物值得人們去珍惜珍藏，色彩使世界絢爛而有意義，一部好的影片要求體現其電影藝術價值，滿足人們對色彩美的感受。從無聲電影時代，黑白影片通過人物的動作表情展現的是一種無聲藝術，這時候的藝術是一種純粹的視覺盛宴。人類為了滿足自身對色彩美的追求，經過不斷的努力，不僅賦予影片聲音，還開創彩色影片，結束無聲電影的默片時代。彩色影片的出現，反映人類對原始色彩、真人真貌的追求，希望通過電影空間設計反映真人真事。

經歷百年的發展，現在的電影在空間設計上充分利用色彩這一塑造方法，盡情展現電影的色彩藝術美。如《滿城盡帶黃金甲》影片中，為了展現大唐盛世的富麗堂皇，在影片的空間設計上，斥巨資及人力、時間在北京橫店影視城重建輝煌的大唐宮殿，盡可能地確保每個細節保持唐朝風貌，布置皇宮場景中的門、600條柱子都采用圖案雕刻，并特別定制長達1 000米的絲絨地氈，使整個皇宮顯得金碧輝煌。配合影片的情節，而皇宮外的外墻也采用圖案，還采用真實的空間設計，用超過三百萬朵鋪滿十三萬平方尺，形成一個花海，并在沿途擺放六百多盞宮燈，給予觀眾十分震撼的視覺效果。而在演員的服飾上，華麗的服裝、精致的頭飾、完美的化妝，都無一不透露著色彩美。《滿城盡帶黃金甲》影片花費36億制作的大片，美國的影評人對此片的評價是“視覺絢爛之極”。影片也獲得了第79屆奧斯卡最佳服裝設計的提名、第26屆香港電影金像獎的最佳美術設計、最佳服裝設計獎以及美國第33屆“土星獎”最佳服裝設計獎、美國影視美術指導工會古裝類影片最佳美術指導獎、美國電影業服裝設計工會最佳歷史類服裝設計獎等獎項。

通過電影空間設計，對場景的布置、服飾的選擇以及燈光等拍攝手法展現一部氣勢恢宏、色彩鮮亮、層次鮮明的藝術盛宴，電影的空間設計能帶給人們色彩上的美感，使人們真正能感受色彩的魅力。

（二）電影空間設計給人們營造空間立體感

隨著科學技術的發展，電影制作可采用的技術越來越多，有越來越多的3D電影占據電影院的票房冠軍。如占據國內票房榜首的《阿凡達》，影片采用3D電腦技術拍攝，創造一個虛擬的存在空間“潘多拉星球”，影片在空間設計上給人們帶來了一場視覺享受，參天大樹、群山漂浮于空中、色彩斑斕的茂密樹林更有晚上會閃閃發光的各種動植物……使觀看者似乎真實處于一個夢幻花園。《阿凡達》獲得了第82屆奧斯卡最佳視覺效果獎。《阿凡達》的票房成功不在于它的情節有多吸引人，而是整部影片的空間設計讓人震撼，觀眾在觀眾的過程中能真切地感受到潘多拉星球上的各種生物的活力，能讓觀眾在驚嘆的時候有感動有開心有落淚，整部電影營造出一個立體的空間環境讓人去享受，真正實現了電影為人造夢。

又如在《愛麗絲夢游仙境》影片中，電影空間設計藝術呈現得異彩繽紛，影片的3D效果，給人們增加了空間立體感，使人們留戀影片中美麗的仙境景色。影片的空間設計，通過對場景的利用、科學技術的使用，給人們展現一幅越來越逼真的場景，仿佛觀眾就是置身其中，能與影片產生更多的共鳴。

三、結 語

電影依賴空間設計藝術，電影的主題展現、發展離不開電影的表現手法，也離不開空間設計藝術，電影是展現藝術美感的重要載體，由于編劇、導演與演員的努力，我們才能在體會每部電影獨特的空間設計的同時，更能享受到影片的真正藝術美感，滿足人們的感官享受是電影追求的目標之一，人們觀看電影更多的是為了去審美，去欣賞美，而電影空間設計正是展現藝術美感給人們的重要載體。

[參考文獻]

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[3] 范虹，崔彤.建筑蒙太奇[J].建筑創作，2005（12）.

[4] 王繼開.電影手法在空間設計中的運用[J].文教資料，2011（12）.

第9篇：服裝設計的表現手法范文

一、歷史

到生活中去借鑒各種藝術門類的表現手法,這是服裝設計總的原則，舞臺服裝也不例外。舞臺服裝的發展方向，和時代的大環境，和藝術理念的變化密切相關，這是肯定的。具體的說，在舞臺服裝設計的創作走向、藝術思想、表現觀念、運用手段在不同的時期、不同的劇種、不同的劇目中會有不同的主脈。譬如說，同樣是《天鵝湖》的服裝設計，20年代的，40年代的和90年代的服裝就不一樣。它也要與時俱進，因為觀眾在變，時代在變，20年代主角的衣服和現在相比，就更長，把身體覆蓋得更多一些，衣長過臀，襠也開得更大，這是因為時代潮流更自由了，思想觀念更開放了，大眾的接受程度提高了，沒那么多條條框框了。另外，由于舞臺服裝使用的短暫性，比起國外發達國家來，制作的時候就沒那么精心，從材料到裁剪都比較馬虎，追求大效果就差不多了，畢竟大家都沒那么多的時間和精力，經濟上目前也不允許盡善盡美，以藝術的角度來看，部分的粗糙也會影響到整體氛圍的和諧表達。

傳統戲曲服裝都是千錘百煉后的精華，集中國古代服飾之大成，是“國粹”。而現代的舞臺服裝還沒有摸索出一套自己的招牌“行頭”，現有的服裝的藝術魅力和獨立的審美價值還遠遠趕不上前者，這有歷史積累的因素，也是和現在這浮躁的心態離不開的，精雕細琢的太少了，如果大家不愿努力和認真，僅僅為了創新而創新，是很讓人擔心的。

二、類別

大部分的舞臺服裝設計師在做的是各類的文藝演出，歌舞晚會的服裝設計，相當多的觀眾對舞臺服裝的認識是建立在這上邊的。

具體細分也有幾類：第一類是歌星演唱會上的服裝設計，以包裝歌手為目的，流行歌手大都追求個性化的東西，色彩單純強烈，款式新奇，面料多樣，表現的是創意和領導潮流，更接近時裝。第二類是綜藝節慶的晚會服裝設計，這涉及的面就比較廣，古典的、現代的、高雅的、通俗的，一臺晚會就是一個大雜燴，設計師就是多面手，各類表演藝術都有所涉獵。節慶是群眾性的活動，只要突出喜慶歡慶的氣氛就行，在服裝上就不像舞劇歌劇那樣有極強的整體感，前后色的區別也不太嚴格。第三類是些地域性的主題性的文藝活動服裝設計，例如廣西國際民歌節，突出地域特色，打民族牌，壯族民歌用通俗唱法唱，服裝也是，民族服裝時裝化。這類服裝也要求炫目、好看、烘托主題，偏藝術化一點。

三、設計

在進行舞臺服裝設計時要考慮的界定因素非常多。首先要考慮的就是劇情的需要。在著手設計之前，設計師要反復揣摩劇本、深刻理解劇情。設計過程中要充分考慮人物在劇作中的作用、地位及其性格特征，通過服裝語匯表達出來，這些信息準確的傳遞給觀眾。從這個意義上講，人物形象的著裝設計是設計師對劇本對角色的詮釋。所以“劇情”可以說是舞臺服裝設計中的一個很重要的界定因素。

另外，還要考慮演員自身的氣質、性格。一套服裝很可能非常適合劇情及角色的需要，但不適合演員本身的特點，那么它也不能算是一套好的舞臺服裝。一個成功的角色可以說是由演員及服裝等共同演繹的結果，不同氣質的演員演繹同一個角色肯定會有不同的效果，因此選用的舞臺服裝也會不同。這就是另一個界定因素。還有導演是一部劇作從書面效果轉換成舞臺效果的指揮者，設計師對整部劇作的服裝設計當然要符合導演對劇作的基調要求。

第三，舞臺服裝設計不同于其他的設計的一個重要考慮因素是服裝面料要適合特殊的動作需求，尤其是在舞劇中，也是要重點考慮的。

不同的劇目對服裝設計思想的收放會有很大不同。有的時候劇目本身給設計師發揮的空間非常有限，這就要看設計師怎樣充分運用有限的空間完整地表達設計意圖，簡單而不粗糙。而有的劇目給設計師的空間就非常大，比如《日出》，劇中有一次黑白到彩色效果的切換，這就給了服裝設計師很大的發揮余地，設計師可以利用這個來更好地表達自己的設計理念。

四、審美

舞臺服裝在“舞臺”這個大前提下，首先要配合表演者的需要，高度突出精神價值，塑造藝術形象的要求是第一位的。