影視藝術的基本特征精選(九篇)
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第1篇：影視藝術的基本特征范文
關鍵詞 多維視角 影視文學評論 特點
中圖分類號：I207.3 文獻標識碼：A
1影視文學評論的簡述
影視文學評論的發展與影視藝術的歷史進程有著直接關系，由于影視藝術的歷史相對較短而影視文學評論的出現也相對較短，其與我國文學評論相比在很多領域上較為稚嫩，而且我國影視文學評論的理論體系也尚處于摸索和完善中，影視文學評論學科的建設進程尚處于半自覺狀態。影視文學作品的創作是影視文學評論的先決條件，其可以直接影響到影視文學評論作品的內容、規律以及體系，所以在影視文學評論中首先要探索出影視文學作品創作的規律，也只有通過這一研究才能明確出影視文學評論的基本特征。學界將影視文學評論定義為是通過對影視藝術中的文學因素，其中主要是對影視文學作品劇本的分析和評價，并且對影視文學作品的創作規律進行深入探討，而這種探討成果的語言表述便是影視文學評論的文體，本文根據影視文學評論這一基本性質在基于多維視角的前提下，結合現代文學評論與其他文學評論的特點對影視文學評論進行深入研究。
2基于多維視角的影視文學評論
2.1評論對象與任務的共通性
本文運用不同階段的視角對影視文學評論進行了深入研究，主要運用了社會政治視角、人性人情視角以及審美視角等，通過研究可以發現影視文學評論與小說評論、戲劇評論等其他文學體裁的評論有著很多相通之處，其中評論對象與評論任務的相通性是其主要的表現。影視文學評論在本質上與其他文學評論最大的共通之處在于，都是用語言塑造形象、反映社會生活的具體文學作品作為評論對象，小說、戲劇作品以及影視文學劇本這些不同的評論都是屬于文學的范疇，但是影視文學評論與政治評論、思想評論、經濟評論以及新聞評論存在很多差異性，所以影視文學評論在藝術評論系統中的歸類如圖1所示。
2.2評論內容的一致性
影視文學評論的思維方式在實際中要符合文學評論的特定要求，但是影視文學評論是建立在對影視文學作品的鑒賞基礎之上，要求評論家要從感受、體會、理解和分析影視文學作品中人物和思想感情為著手點，并且要求評論家要對評論對象有一個有形象具體的感受，所以需要評論家要以理論、抽象、判斷性的語言表達形式將其表述出來。作為影視文學評論對象的影視文學劇本也是語言的藝術作品，雖然影視文學劇本是一種新興的獨特文學體裁，但是其在本質上充分包含了語言藝術作品的各種特點，與其他文學評論都具有反映社會現實、描繪生活圖景的功能，同時也意味著影視文學評論要擔負起對文學要素進行綜合分析和評論的任務。影視文學評論的對象是無法脫離題材、主題、語言、結構以及表現手段等要素，這也就導致影視文學評論與其他文學評論一樣都將評論人物形象、思想情感作為主要內容，同時也將分析作品在人物創造中所使用的藝術手法、技巧等作為評論內容，這也就充分揭示出影視文學評論與起他文學評論的內容是一致的。
2.3與其他文學評論的差異性
影視文學評論的發展使其已成為評論體系中的獨立學科，這也就意味著影視文學評論與其他文學評論相比具有很多差異性，其主要表現在影視文學評論十分注重作品的視聽因素、敘述語言的直觀性以及結構方式的特殊性等，這些都是受到影視文學作品的特殊性而產生的。影視文學作品中的社會生活都是由視覺畫面和聽覺音響實現的，這便要求評論家要通過最直觀的感受去了解、發現影視作品背后的文化，雖然影視文學評論已成為一種獨立的文學體裁，但其在使用中要服從影視藝術的特殊要求，而直觀性與避免靜止語言是影視藝術對其最重要的要求。影視藝術作品都是通過畫面的轉換、變化和組接等方式構成完成的故事情節，這便要求影視文學評論過程中要注重影視藝術作品這一特性，而不能完全依賴現代文學評論的詞語、句子對其進行過度和銜接。
3結束語
現代影視文學評論在新時期已發展成為一種獨立的評論體裁，但是影視文學評論在發展中必須融合影視藝術的各種特點，只有不斷結合現代文學評論的手段、特點進行完善與創新，才能使影視文學評論在新時期發展成為一門完善的新學科，從而使影視文學評論可以與其他文學評論一樣建立出完善的系統體系，這樣才能為廣大人民群眾在新時期不斷創作出更多的影視文學評論作品。
第2篇：影視藝術的基本特征范文
一、影視與話劇的藝術特征
影視劇帶有明顯戲劇因素，影視劇是用攝像機記錄演員表演。影視表演可以用于戲劇舞臺藝術形式，但不能代表戲劇與影視表演自身特征。其特征主要體現在時空與母本差異。戲劇是再現時空的藝術，通過演員形體語言表演再現真實生活，受到時空限制舞臺真實在想象中存在。表演中的時空建立于預定假設的基礎上，如舞臺上看到的房子與現實中的房子不同，演員表演具有虛擬性。影視劇中給人時空感覺真實，表演不同于戲劇表演的虛擬性。話劇表演是在舞臺上表演，表演者的肢體動作會有夸張，外化情感的表演是生活中行動的變形[1]。人們到劇場中希望看到比生活更濃稠的東西。話劇表演藝術是根據面對情況作出適當調整，表演者只能在有限的舞臺上通過戲劇化的表情滿足觀眾需求。由于舞臺空間制約，話劇時間限制使話劇表演具有連續性特點，演員要在規定時空內連續完整表演。話劇表演在有序中進行，表演者要按照排練場次順序演出，話劇表演是即時現場同步表演，為觀眾帶來直觀的感官享受。影視表演是在鏡頭前表演，影視表演空間范圍更大。美國導演瑪麗在其專著《電影表演》中寫道，演員可以在電影中占據整個銀幕，由于攝影機把每個動作放大，演員運用形體姿勢必須節制。由于環境不受限制，使得影視表演具有紀實性。鏡頭會放大人的表情動作，鏡頭前表演主張肢體動作開合要自然細膩。影視劇拍攝前，將文學劇本轉換為分鏡頭劇本，劇組根據分鏡頭劇本安排拍攝[2]。由于受到轉場等條件制約，拍攝順序根據實際情況打亂。影視制作可以后期剪輯，刪除不需要的廢棄素材，使得演員進行不連貫表演。影視劇制作周期較長，演員表演非面對面，無法使演員與觀眾近距離交流。
二、影視與話劇藝術表演的相同點
話劇表演具有直觀性、儀式性，具有獨特藝術魅力，是電影藝術之前人類文化生活中具有吸引力的表演藝術。從事話劇與影視表演工作需要演員具備良好的個人素質，精湛的表演技巧。話劇表演是角色在舞臺上相互交流中完成表演，影視表演是演員在鏡頭前間接交流完成表演。影視與話劇表演是通過塑造人物形象演繹人物內心世界，借助自身專業演技呈現不同的表演效果。影視與話劇表演的共同點體現在注重角色塑造，虛擬情景與表演要求相同。戲劇與影視表演把角色塑造作為表演宗旨，演員具有不同的表演素質，最終表演宗旨是塑造人物角色。利用不同人物推動故事情節發展，體現劇作家的意圖。二者在關注角色塑造方面相同，促使表演藝術發展需要演員提升角色塑造技巧[3]。影視與話劇表演要求方面相同，在創作原則方面一致，表現為表演藝術以生活化為核心，評估影視話劇表演藝術將表演真實性作為重要指標，保證表演真實性是表演基礎要求，要力求表演貼近生活，讓觀眾認可作品。話劇表演追求夸張的真實。影視與話劇表演情景設置方面具有虛構性特征，觀眾觀賞話劇作品可以看到舞臺放置不同道具，感知到話劇表演虛構特征。影視表演場景設置具有虛構性，如很多影視作品的下雨等情景為迎合表演需要虛構。影視與話劇表演為表演藝術的分支，具有許多共同的原則方法。二者要將平面語言轉換為立體視聽形象，演員要通過對劇本人物二度創作使扮演角色形象；兩者為綜合性藝術，需要多種藝術完成創作，影視與話劇表演需要有導演、化妝、道具、美編等部門協同完成作品。兩者對表演者要求一致，演員創作角色時作為角色創造者與創作工具，要求演員表演真實，演員的表演要高于生活表現真實，這是評價表演成功的重要標準。演員從直覺、聯想等思維過程創造的資料多半為平素自我修養的積累，想象是根據直知覺中的資料進行加工創造的意象。
第3篇：影視藝術的基本特征范文
【關鍵詞】塑造多視點舞臺形象；為演員提供更好的表演空間
舞臺燈光的戲劇性很強。戲劇與電影都是以表演為主的綜合藝術，但在藝術表現上卻有很大的差別。戲劇與影視各有長短，而舞臺燈光則最大限制地強化了舞臺戲劇的表現手段。
戲劇的演員與觀眾處于一個空間，他們可以實現面對面的交流，情緒可以互相感染；而電影、電視則做不到這一點。舞臺燈光的運用可以增強和感染演員與觀眾的這種相互感染。很多劇目中使用光線的強弱變化，明暗對比，局部特寫和色彩烘托等技巧使觀眾情緒大振。電影、電視的優勢是場景可以任意變化，非常方便，它可以把全世界各地的畫面都集中到一部片子里，而戲劇布景的遷換則不能過于頻繁；電影、電視可以運用特寫鏡頭，使觀眾看清細節部分，而它的變化等更是戲劇所不能與之相比的。舞臺戲劇可以通過舞臺燈光的各種手段和燈光蒙太奇手法，如紗幕透視、光區的分割、投影效果、光束組合、色彩迭加、追光特寫等來實現時光切換、神鬼變換等特技效果。
舞臺燈光的多視點性也很強。音樂是聽覺藝術，美術是視覺藝術，而影視藝術和舞臺藝術則是視覺和聽覺同時欣賞的藝術。不同的是電影和電視都是單視點的藝術，而舞臺藝術則是多視點藝術。觀眾在觀賞電影或電視時，不論在那個角度欣賞，看到的都是同樣的圖畫，其畫面的角度、構圖等取決于攝像機；但當觀眾在欣賞舞臺藝術時，坐在不同位置的觀眾所看到的畫面是不同的，也即是說舞臺藝術具有多視點性藝術。舞臺燈光就是要塑造出有主有輔的多視點舞臺形象，必要時還要進行主次切換。
從燈光專業角度來講，電影電視的燈光只須滿足一個鏡頭的單視點需要就可以了；而舞臺燈光則滿足觀眾的千萬只眼睛的不同角度的視覺需要。影視照明可以把燈具任意擺放，只要不進鏡頭就可以了；而舞臺燈光的燈具擺放則要受到很多限制。也是舞臺藝術對燈光藝術的特殊要求。
舞臺燈光還具有整體性與從屬性。舞臺藝術既然是綜合藝術就有它的整體性要求，舞臺燈光以至整個舞臺美術都不能獨立存在。綜合藝術的各個門類之間是相互依存的。這也是綜合藝術的一個基本特征。舞臺藝術是以表演為主的綜合藝術。舞臺美術則是從屬于表演藝術的，這一點，在理論上應該確認下來。戲劇演出可以沒有布景，沒有燈光，甚至可以沒有舞臺，在露天就可以進行演出，如廣場演出、接頭表演等等；然而沒有表演的舞臺美術則不能存在，如果沒有演員表演，戲劇也就不稱為戲劇了。觀眾看的是“戲”，沒有那個觀眾買了票去看“舞臺美術”的。這并不是說舞臺美術不重要，現代的舞臺美術已經是戲劇藝術中不可或缺的重要組成部分了。舞臺美術的功能之一就是為演員提供一個更好的表演空間。
舞臺燈光的現場表演性。這一特征是舞臺美術中除燈光效果外，其他專業門類所不具備的。布景是靜止的，即使是轉臺可以使建筑物移動，但也只是給人以臨場換景的感覺，并不意味著表演。服裝和化妝是演員的附屬物，他們除了給演員增添視覺上的美和造型之外，也并不參與表演；而燈光的現場表演性則是明顯的，燈光往往是跟隨劇情的變化而變化的，而且這種變化還有節奏性，并且有豐富的感情。在許多劇目演出中，都有非常典型的例子，比如現代都市淮劇《金龍與蜉蝣》中，有許多沒有動作，沒有歌唱，沒有表演，完全由燈光表演的地方，從清晨到中午，從中午到黃昏，由日出到天亮，非常感人，非常逼真地在現了時間的變化，成功的烘托了任務的各種心態。這是燈光進行表演的非常典型的成功例子。
第4篇：影視藝術的基本特征范文
[關鍵詞] 影視動畫；背景設計；主題構建
美國電影理論家李·R·波布克曾經說過，“任何一部影片首先需要考慮的是主題……盡管在過去二十年內，影片的風格發生了巨大的變化，出現了各種運動，但是在這一時期內，藝術上有成就的影片都有一個共同的特點，那就是一個無論在思想上或哲學上都有引人注目的鮮明主題”①。“動畫片本身的接受層面和藝術特點就決定了它以宣揚一種人類共同的美好理想和一種易于為大眾所接受的道德觀和價值觀為主題。”②動畫電影《花木蘭I》《獅子王I》《馬蘭花》在全球公映時取得了優異的票房業績，與此同時在電影評論界引起了激烈的探討，這一切現象都說明一部在商業和藝術上都有所建樹的動畫作品在主題定位上是至關重要的。
一、動畫主題的表述
動畫作品的主題通常是指動畫創作者通過塑造的藝術形象與故事情節所體現出來的思想主旨，它承載了作者對愛、人與自然、人生成長、社會現實的認識、評價與思考。主題將動畫電影中的各種元素——人物、情節、對話、細節、表演、攝影風格、音樂等統率起來，進而達到影片整體的和諧與統一。
1.情感主題——在音樂、抒情等藝術作品中，主題以主導情感的方式呈現。例如，中國水墨動畫片《牧笛》的故事發生在一個初夏的早晨，牧童騎著水牛去放牧，期間牧童依靠在樹梢上，慢慢睡去，夢中夢見水牛消失了，正當牧童著急時，竟然發現水牛被瀑布的水聲所吸引，任憑牧童使出渾身伎倆，也無法喚回水牛。無奈之時，牧童從風吹竹林所發出的響聲中得到靈感與啟發，削竹為笛，吹曲來吸引水牛。忽然牧童高興地從夢中驚醒，引領水牛回家，故事情節恬淡、雋永。影片既有意境又有深度，有機地將自然與藝術的關系作為主題：自然為藝術提供了無盡的源泉，而藝術又創造出高于自然的藝術美。
2009年美國奧斯卡最佳動畫短片《回憶積木的小屋》在區區的十余分鐘內，以老人一生的情感經歷為主線，將社會與大自然的關系作為副線，通過主副線索的相互交織發展，將愛情與親情、老齡社會、全球變暖等三大主題緊密地結合在一起，可謂相得益彰，神來之筆。
2.思想主題——在一些現代影視動畫藝術作品中，主題以中心思想的方式呈現。例如，美國動畫電影《花木蘭Ⅰ》通過花木蘭女扮男裝，經過自己的努力得到大家的認可，但在雪崩單于中女兒身被識破，遭李將軍誤解，后痛下決心，以女兒裝的形象拯救了皇帝，最終使李將軍上門認錯并提親，影片將正反矛盾環環相扣，推動故事的發展，進而體現了花木蘭追求自我價值的思想主題。
3.情節主題——李·R·波布克曾經說到，“一部電影的主題不必非是某種‘教義’，甚至可以不是某種觀點，對于一個劇本來說，它非常可能僅僅提示某種情感；后來這種情感變成了主題”③。例如，美國動畫電影《獅子王Ⅰ》中的情節主題是辛巴勇于正視自己與自己的責任最終戰勝叔父；中國香港動畫電影《麥兜響當當》的情節主題是雖為草根的麥兜卻滿懷樂觀向上的精神在人生道路上拼搏。
二、動畫主題的形成過程
1.生活中的感受和認識促成主題，進而構思故事。例如奧斯卡最佳動畫短片《每個孩子》就是在由加拿大國家電影局為聯合國兒童組織以“棄嬰”為主題創作的公益廣告中，作為其中的一個部分被全世界所接受。
2.生活中獲得題材的同時也獲得主題。例如，1979年奧斯卡最佳動畫短片《特別快遞》就是在后現代生活中批判了人類的利己主義。
3.有生活積累在先，后受到啟發，進而開始藝術構思，提煉主題。例如，泰國動畫電影《小戰象》就是經過藝術構思，所提煉出的主題非常符合東方人的價值體系——愛國主義、民族精神、母慈子孝、勇敢的理念。
4.在生活的基礎上形成主題，后來經過長時間的探索，改變了原有的主題，進而確立新主題。例如，動畫電影《馬蘭花》原作中故事的主要梗概是勤勞勇敢與懶惰怯懦的二元對立。對于這種經典的動畫主題，只用這點來吸引觀眾是遠遠不夠的，新《馬蘭花》通過融入全球語境下的公認世界觀、人生觀、價值觀，使原有的兒童電影主題得到升華，以和諧共存、環境保護作為影片大主題。
5.開始創作時，沒有明確的主題，到作品完成后才顯示出主題。例如，奧斯卡最佳動畫短片《紐約時代》采用拼貼的劇作手法，通過不同橋段的轉換來吸引觀眾，使觀眾在循序漸進的過程中，領悟到“如果你愛他，就把他送到紐約，因為那里是天堂；如果你恨他，就把他送到紐約，因為那里是地獄”的主題思想。
6.有一定程度上的生活感知，產生了一定程度的創作意圖，然后再深入生活，從生活中選擇題材，提煉主題。例如，1981年奧斯卡最佳動畫短片《搖椅》的導演弗雷德里克·貝克通過一把舊的木搖椅思念家鄉的故事，提煉成為謳歌加拿大魁北克地區風土人情，成為加拿大魁北克地區歷史變遷的“活化石”，進而強烈地表達出導演對現代工業文明的反思，對大自然的眷戀之情。
三、動畫主題在不同意識形態下的演繹
（一）美國動畫主題的基本特征
迪斯尼的開創者曾經說過：“我的作品是拍給每一個擁有童心的人看的。”美國迪斯尼的觀眾定位就是大范圍的觀眾，在主題確立上力求老少皆宜，故此造成美國動畫電影主題的豐富多彩、無所不容、無所不包的局面。就傳統風格而言，美國迪斯尼的動畫風格更接近于藝術化，夢工廠的動畫則更商業化。
由此可見，美國動畫在世界大受歡迎的原因可歸納為：第一，美國電影產業的商業化。美國的動畫電影從主題的選擇上滲透著商業意識——要吸引廣大觀眾的視覺，引起觀眾的注意力，并在周邊產品開發中獲取商業利潤；第二，美國動畫電影的類型化與工廠制度。美國動畫電影類型的形成與觀眾群體的劃分是與商業屬性的地位分不開的，各類型動畫電影的成功，都有利于此類主題的深入挖掘與延展，進而促進美國動畫電影的良性發展。
（二）中國動畫主題的基本特征
主題的闡述是一個民族或者國家的審美價值取向的風向標，中國文藝作品自古以來就有“詩言志”“文以載道”“寓教于樂”的藝術特征，動畫作品也不例外。但是過分地、一味地因襲“文以載道”，客觀上束縛了創作者的創新意識，生產出的動畫作品容易造成觀眾視覺審美上的疲勞與內心厭煩的感覺。通常藝術理論界認為：個性化是藝術的生命，更是藝術家的生命，打破原有主題的條框限制，勇于嘗試新的視角、新的思維，新的理念，中國動畫的發展空間是極其巨大的。
（三）日本動畫主題的基本特征
日本動畫為了滿足不同層次觀眾的需求，涌現出各種動畫主題：神話主題、戰爭主題、探險主題、復仇主題、情感的別離與復合主題、爭戰性等主題，日本動畫深受大眾歡迎的原因主要在于：解讀人與自然的各種關系。
（四）歐洲動畫主題的基本特征
在藝術風格上歐洲動畫與日美的商業動畫完全迥異，由于在制作上沒有日美票房上的壓力，因此在動畫創作理念上更加注重原創性，在藝術形式與風格上，將歐洲人的浪漫情趣融入其中，講究創意和藝術上的夸張，不論在角色還是在背景設置等方面都極具趣味性與夸張性。在內容上既不同于日本動漫的凝練與晦澀，也不同于美國好萊塢的結構模式，通常在紳士般的幽默中，去探討生命的主題。
四、不同作品內容性質下的動畫背景設計
（一）悲劇的動畫背景設計
悲劇起源于古代的希臘，中國文化革命的主將魯迅先生曾經說過：“悲劇將人生有價值的東西毀滅給人看。”④因此悲劇總是令人遺憾，發人深省，給人啟示。悲劇由于題材范圍的不同，可分為四種類型：
1.英雄悲劇。日本動畫《螢火蟲之墓》的故事背景是第二次世界大戰結束前后的日本神戶地區，描寫父母雙亡的兄妹清太與節子痛苦生存的悲傷故事。故事情節催人淚下，渴望和諧生存的主題尤為突出。
2.性格悲劇。英國威廉·莎士比亞筆下的丹麥王子哈姆雷特總是疑問：“生存還是毀滅……此二抉擇，究竟是哪個較崇高？”⑤在美國動畫電影《獅子王I》中也同樣困擾著新一代的獅子王辛巴，但辛巴最終還是避免了“哈姆雷特”悲劇的重新演繹。
3.命運悲劇。是人類意志避免不了惡劣的命運而產生的悲劇。2007年改編自伊朗女插畫家Marjane Satrapi的同名漫畫《我在伊朗長大》，采用自傳體的形式向人們講述了伊朗女孩的成長經歷，影片其中暗含著社會命運的悲劇。
4.社會悲劇。由于社會生活中存在的深刻矛盾所造成的悲劇。《梁山伯與祝英臺》就是中國封建社會男女不平等并造成無數愛情悲劇的一個濃重的縮影。
（二）喜劇的動畫背景設計
喜劇起源于古代希臘的歌舞與滑稽戲，魯迅先生還曾經說過：“喜劇將那無價值的撕破給人看。”⑥喜劇能夠把生活中的丑惡、落后等缺陷都暴露出來，用諷刺與嘲笑加以否定。在動畫片中《美食從天而降》《3D藍色小精靈》中體現得尤為突出。
（三）正劇的動畫背景設計
正劇與前兩者相比較而言，出現較晚些。公元16世紀意大利劇作家巴蒂隆·仙里尼在其《悲劇詩體論綱》中講到正劇是悲喜劇，法國喜劇作家博馬舍在《歐也尼》中指出“取材于日常生活”，表現了人與人之間的真情實感。正劇中的人物和情節往往具有普遍的典型意義。如《汽車總動員I》《汽車總動員II》就是對動畫正劇的最好詮釋。
五、結 語
前蘇聯導演多夫金曾說：“主題是一個為各種藝術所共有的概念。人類的每種想法都可以成為作品的主題，電影像其他的藝術一樣，對主題的選擇是沒有限制的，惟一的問題是它對于觀眾是否有價值。”⑦不同國家和地域的動畫作品因其歷史傳承的不同，在主題選擇上帶有鮮明的民族烙印，為了凸顯自己的特色，各國動畫作品形成了較為獨立、成熟的框架，從題材選擇、造型風格、敘事手法等方面都積極與主題相照應，進而彰顯出本國的特色。
注釋：
①③ [美] 李·R.波布克：《電影的元素》，中國電影出版社，1992年版，第23-24頁，第23頁。
② 楊曉林：《世界動畫電影名片分析》，中國傳媒大學出版社，2009年版，第25頁。
④⑥ 魯迅：《再論雷峰塔的倒掉》，《魯迅全集》第一卷，人民文學出版社，1956年版，第297頁。
⑤ 《生存還是毀滅》，http：///view/1059430.htm，訪問時間：2011年12月29日，上午10：08。
第5篇：影視藝術的基本特征范文
談到圖像與繪畫，他們一開始就有斬不斷的關系，世界上第一架照相機就是德國畫家蓋達爾1830年發明的，當時叫做“蓋達爾”寫生機，隨著現代科學技術的進步，圖像藝術創作無論是在技術方法、媒介材料還是表現手法上都已大大的拓展和進步了。早期圖像藝術更多是指“圖”的意義，現在則更多是指“像”的意義。現代攝影技術出現以后，圖像藝術與繪畫藝術更是相互作用和滲透，傳統的繪畫藝術面臨著來自圖像藝術的挑戰，同時也為繪畫藝術在創作方式和創作觀念上帶來了新的變化。照相寫實繪畫的出現就是明顯的例子。
一、圖像藝術與繪畫藝術的相互關系
圖像藝術和傳統繪畫藝術在表現意圖、創作方式(過程)和最后的展現形式上有很大的區別：現代的純繪畫藝術創作者，在將自己的感情投入在作品中以后，便可能獲得內心的滿足和精神的慰籍，對于“作品”是否可以為他人所了解、接受一般不在他的主要意圖之內。作品與觀眾只是簡單的、很感性的交流，其語言涵義是不清晰的，是有一定距離的，而這也是純繪畫的特殊之處和迷人之處。而圖像語言工作者的表現意圖大都是根據一定的文字概念，著重在于把文字內容確切地表達，與大多數觀眾進行溝通并使其理解是他們的主要目標，最常見的如影視作品，廣告招貼，元不體現這一創作意圖：在制作過程當中，繪畫藝術創作者不必遵循一些制作上的規范，他們可以主觀地按自己的需求去發揮，即便有理性的思考介入，也是作為情感表達的導引(例如構圖和肌理)。相反地，圖像藝術的制作從開始就要述說目標，選擇并決定適當表現手法。(照相寫實繪畫在制作上類似于圖像作品的生產，因此畫面的情緒化特征沒有了，作者的情感無法強烈的灌注于作品當中，“照相寫實主義”作為“主義”產生了)。繪畫創作則是由畫家(人)來操作畫筆完成作品，這樣畫家的主觀情感不可避免地凝固在作品每一個制作階段當中了。而圖像藝術作品在創作過程中是由制作者來操控機械(攝影機、攝像機、后期暗房機械等)來完成作品，制作具有一定的規范性和機械性。在創作過程中作者的理性活動占主導地位。作者的目的是以自己的理性布局來引導或操控觀眾的感性。這便是當代藝術重“觀念”而輕“繪制”的來源所在。
二、圖像在觀念、技術、物質及形式方面推動了寫實繪畫的發展
近20多年來的中國具象作品，幾乎都用照片這種二手視覺經驗作為藝術表達的主要手段，寫生僅僅是一部分畫家保留的創作手段。中國照相寫實主義出現了冷軍、石沖等重要畫家，在當代繪畫領域，很多藝術家正在借用影像藝術的觀念、形式進行創作，有的畫家就是因為受到圖像藝術的影響，才使作品帶上了時代的印記，例如油畫家鐘飆的作品。
圖像藝術對當代繪畫藝術創作的影響主要體現在以下幾方面：
第6篇：影視藝術的基本特征范文
關鍵詞：民間藝術；皮影戲；文化沖突；傳承
由著名導演田壯壯監制，曲江濤執導的影片《孫子從美國來》是一部反映華縣皮影戲傳承和親情的農村題材電影。在略帶調侃的電影名稱背后是質樸感人的影片敘事，影片導演對民間藝術傳承者的境況進行了深入思考：用“藝術通過特定語言符號表現的豐富性，把公眾引向在以此之前未曾會遇的心靈之所，意在向世界開放，也在完成不斷塑造自己的存在任務。”[1]電影中導演把對民間藝術的憂慮轉化到傳承者楊老頭的身上，以其特定的藝人身份作為對象，通過影像對皮影這一藝術的境況進行了描述，力圖引起觀眾對民間藝術的關注和思考。
一.民間藝術與電影的演繹
“民間藝術，是藝術領域中的一項分類，冠以“民間”字樣，顯然是要與所謂的“宮廷藝術”與“貴族藝術”等有所區別。“民間藝術”的領域很寬廣，而且也不乏很多“絕活”，象皮影、剪紙、編織、繡花、獅子舞等等，都是很著名的民間藝術，也是中華文化的瑰寶。[2]”
民間藝術的影像傳播具有必要性，有利于民間藝術發展。電影通過藝術敘事的方式，對電影中的民間藝術注入了親情，《孫子從美國來》以民間藝術――皮影戲為象征意蘊滲透在觀眾心靈與想象中。劇中這些刻意出現的場景和道具。不僅是影片表達形式的手段，也是影片表現主題的組成部分。皮影戲作為中國民間藝術，也為電影本身增加中國特有的傳統文化元素而更加出彩。
二.文化沖突下的民間藝術的發展和困境
1.電影的故事次序和文化的象征
電影在故事次序段落上是以楊老頭在春秋椅上的兩個夢劃分，在電影故事節奏上采用的是肢體喜劇的表演節奏。
電影開端就是楊老頭《大鬧天宮》皮影戲的夢，在被敲門聲驚醒后回到了現實，現實中電視正在播放著是美國人的全民偶像――蜘蛛俠，電影導演設置的第一組矛盾出現了。后來開門一道猛烈的強光打到楊老頭臉上，預示著文化的沖突的到來。
電影在劇中時，以孫子碾碎爺爺把玩的那兩個山核桃，爺爺在追孫子時又把玩具蜘蛛俠踩壞。在兩者的矛盾激化中進入，用文化沖突穿插著親人間的溫情串起了整部影片，并在電影張力的變化下使電影情節不斷變得緊張，在突然出現的第二段皮影戲時使影片達到頂峰，并于孫子布斯被蜘蛛咬傷后對爺爺的呼喊結束。這是劇情中要發生關鍵事件的轉折點，也隱喻著兩種文化沖突的苦果和反思，皮影蜘蛛俠的出現包含著爺爺對孫子濃濃的關愛也寓意著文化的嫁接與融合。
2.文化沖突大背景下的民間藝術的發展和困境
在全球化進程的文化沖擊下，我國民間藝術的生存狀況不容樂觀。影片中也有這樣的表述，楊老頭的皮影戲班開課，但是那里的皮影戲學習者年齡基本都是年齡在60歲以上老人，還大都很少接受過學校教育（也沒有繪畫和雕刻的底子），也可見民間藝術發展傳承的困難尤為困難（傳承過程基本是在反復模仿得以再現，其傳承方式也極其落后）。
三.中國民間藝術的傳承方式――血緣傳承
中國民間藝術的主要傳承方式有血緣傳承.地域傳承.業緣傳承。“傳承性是民間藝術的基本特征，民間藝術傳承不僅表現為通過口頭或非言語的事物形象傳遞民俗事象，更重要的是傳承本身就構成了一種民間習俗，即傳的習俗。”[3]
劇中的楊老頭有雙重身份，即是中國民間藝術的傳承人又是美國孫子布斯的爺爺。（孫子布斯是楊老頭兒子棟梁的繼子。）我們中國強調傳統的群體意識，一個人的能力不僅是個人價值，而且代表他所屬群體的群體價值。同時在家庭中家長代表著對子女的權力，又意味著父母與子女之間互相依賴的關系。楊老頭認可了對孫子的感情， 選擇了由無血緣關系的孫子來繼承傳家皮影《大鬧天宮》，年幼的孩子既體現了對未來的期望，也體現了祖傳民間藝術的傳承。尤其是我國民間藝術是在血緣傳承的模式上得以生存發展的，因此我國學者喬曉光先生指出：“傳承是一個充滿人性活力.有著獨特思維的傳統，是一個具有真正文化時空內含的傳統。民間藝術之所以傳承至今，也離不開這種傳承方式。”[4]
四.結語
電影《孫子從美國來》對民間藝術中的皮影戲給予了關照，引起觀者對皮影戲和其他民間藝術傳承發展的深深思考，我們知道民間藝術通常是裝飾性極強的藝術，它有自己完整的創作體系，有者其獨有的造型理念和鮮活的藝術特色。在當代民間藝術傳承發展遇到困境之時，電影關注到華縣皮影，并把現實中的應對舉措（創辦皮影工藝培訓班，成立皮影加工，申請皮影之鄉，大力開展旅游業，賣皮影紀念品，保護和發揚傳統皮影戲）融入其中，使我們看到民間藝術傳承產業發展上的巨大難題：“如何在外來文化沖擊下找到民間藝術文化自己的出路。”同時我們也要關注到影視傳媒的介入，在為民間藝術的傳播發展做出貢獻的同時也擠壓了傳統民間藝術的發展空間，所以傳播的同時也應當注意對傳統民間藝術的保護，只有如此民俗藝術方能更好地生存與發展。
參考文獻：
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第7篇：影視藝術的基本特征范文
1廣告攝影的歷史演變及內涵
廣告文化是社會文化中的特殊現象，廣告攝影是一種相對較獨立的設計藝術，興起于20世紀期初，不過當時廣告商對廣告攝影并不持蓄勢待發的態度，僅僅是期待廣告攝影能夠把產品真實的一面有所展示，同時攝影復制技術也相對落后，只能憑借簡便的復制印刷手段來傳播圖片，一方面會占據很長的時間，另一方面成本也并是所有的廣告商都能夠接受的，這就成為了廣告攝影在市場中發展的最大瓶頸。在隨后的幾十年中，數字和信息技術以一股全新的力量加入到廣告攝影中，使繪畫在很大程度上得到了提升，更加突顯真實的圖像和光影，同時顯著提高了廣告傳播的速度和真實度。隨著技術的持續提高和設備的不斷改進，廣告攝影技術也開始穩步發展，以直接、快捷、真實的獨特性在平面設計領域中占有其他形式無可比擬的重要地位，使得商業與藝術渾然一體。廣告攝影以一種特殊的藝術形式存在，其利用與眾不同的攝影語言對產品予以刻畫，以獨特的方式將產品信息進行有效傳遞。廣告攝影服務于廣告活動，從這方面來看，其成功之處在于能否喚起消費者的購買欲望，因而其與單純的藝術攝影有著天壤之別。顧名思義，廣告攝影并非是一個單純詞，它由“廣告”和“攝影”兩部分構成。其中廣告代表著展示及表現，而攝影代表了藝術及審美。廣告攝影雖然隸屬實用藝術領域，但是卻具有十分緊密的規定性，而且深受媒體環境的約束，同時不同的商業環境對廣告攝影也發揮著不同的作用，從某種意義上來講，廣告攝影已經完全融入到了商業社會之中。
2廣告攝影的基本特征
現代廣告攝影在攝影科技成果的基礎之上，以影像文化為背景，利用視覺的呈現，探索深刻的藝術刺激。究其特征表現在四個方面：其一是傳達信息的真實性，廣告攝影的投資主體大多是產品或服務的提供者，其根本目的在于宣傳產品信息，并形成社會效果作用在產品銷售之上，這種強烈的目的性決定了傳達信息真實性的特征；其二，是攝影作品的展示性，廣告攝影的對象絕大多數是實物產品，針對的是消費者，物品的優勢與特征應在簡單的畫面中重點突出；其三，是創作設計的藝術性，廣告攝影的藝術價值和商業價值相統一，情感設計與技巧不容忽視，藝術性的核心在于給觀賞者美的視覺刺激，形成愉悅的心情并對產品引發興趣，借助精巧的光線完美呈現物體顏色，對拍攝對象的合理解構是攝影的前提，決定廣告的圖形基調，色彩是人體視覺刺激的最重要途徑，光影本身也需要色彩的輔助表達，不同的色彩將深刻影響觀賞者的審美感受；其四，是創作理念的創新性，創意是廣告攝影的靈魂所在，攝影技巧可以在經驗和學習中逐步精煉。攝影師必須具備較高的文化知識素養，需要不斷探索，打破傳統的束縛，塑造鮮明的廣告藝術形象。
二廣告攝影在設計學中的審美要素
廣告攝影的設計學范疇廣泛，一方面體現了設計學的思維和智慧，另一方面也強有力地彰顯了藝術美學與審美學的完美結合。“美”是廣告攝影在設計中矢志不渝的追求，更是獲取觀者視覺的最大吸引力。剖析廣告攝影在設計學中的審美要素，是將其基本特征、技術手法融入平面設計領域的關鍵所在。
1光影要素
對膠片精確把握程度的高低直接決定著創作成功與否，光圈設置、逆光效果、曝光程度等，如果這些操作不當，會對整個畫面造成致命影響。因此，光線是攝影創作必不可少的先決因素。在充分掌握布光基礎后，需要精準呈現出質感的光源和光性，使其能夠均勻輻射在光源面，準確掌握發光面積和燈距，以便能夠快速達到控光、光軸和照射角的最佳狀態，在最小化的光源基礎上實現與背景光的融合，突顯創作內涵與產品特征。廣告攝影中的光線已經不是傳統生活意義上的視覺介質，需要攝影師調動不同燈具的功能和效果，通過駕馭光線營造出一個美學故事。這種駕馭是建立在對燈具器材和光源原理的精通之上的，呈現出可操作性的認知和理解，具體解構出以下層面：首先，整體畫面的審美效果。廣告攝影作品首先映入眼簾的是一張整體的二維或三維畫面，第一印象至關重要。不同的光線區別和陰影面積最直觀的反映在畫面中，突出產品形象。其次，光的陰暗影調把握。觀賞者看到整體畫面后，隨后關注的即是光的陰暗影調，它能夠營造濃厚的情感氛圍：是歡快還是悲傷，是速度還是沉靜，是靜是動，是明是暗。陰暗影調的變換作用于欣賞對象的情感體驗，以實現最終的商業目的。最后，點、線、面的造型。明暗變化之后欣賞者將注目于光線的視覺造型，即點、線、面的結合與交叉。整個設計構圖中，點、線、面的關系與節奏相輔相成，彼此呼應。此外，構圖中形象的大小、位置的安排、色彩的對比都是十分重要的造型因素，在視覺表現審美中必不可少。廣告攝影作品中的各個視覺對象都是彼此聯系、不容忽視的，即便是空白的部分也是視覺傳達的重要媒介。光影要素運用的核心理念是“簡而不空、繁而不亂、簡繁相融”。簡中蘊含精彩，繁中彰顯精練，單純中有變化。
2色彩要素
廣告攝影中的色彩要素是一種形象語言。在任何一個設計中，色彩都不存在相沿成習的美與丑，如果攝影師能夠以精準的控制、深入的理解和正確的運用，就能得到出乎意料的色彩畫面效果。色彩的主要功能就是要最大限度地表現服務，充分發揮想象力在作品中擺上能表達感受的顏色，這正是廣告攝影中色彩要素的運用真諦。設計學角度的色彩運用無章可循，不完全依托于任何一種科學理論，而是攝影師觀察、體驗和親身經驗的總結，本質上是一種心理意念的再現。不同的色彩在特定的環境下將帶來不同的視覺感受，代表著不同的心理特征。有的時候，色彩可以演化成產品的一種符號，色彩與廣告畫面融為一體，成為一種代表深入人心。除了特定環境的把握，不同的商品色彩處理也要加以區分、區別對待。色彩的形式要素與色彩感受是構成產品色彩的兩個基本要素，相互作用突出表現為色調。主導色調與流行趨勢并非一成不變，在捕捉時不可僵硬，要靈活變化。
3戲劇要素
戲劇性效果是表現沖突矛盾的外化形式，更多的常見于舞臺藝術和影視作品中，近年來與平面設計學原理相結合，為廣告攝影注入了新鮮血液。廣告攝影中制造矛盾的手法是多種多樣的，每個畫面都可以借助形體、文字、光影的變化加以把握，甚至在三維立體畫面中還可以運用“蒙太奇”鏡頭技術來烘托主題，在有限的、靜態的平面空間做到上述變化實屬不易，但往往事半功倍。在無聲的空間訴說有聲的語言是平面設計中廣告攝影的最高戲劇特色體現。這種戲劇要素可以是矛盾的，也可以是充滿和諧的，總體來說，對抗的成分越大、畫面承載的矛盾越多，藝術的絕對值就越大，內涵表現也更加豐富。總而言之，設計的戲劇要素就是將這些變幻莫測的矛盾合理、有序地安排于一個畫面之中，引導觀賞者不知不覺地走入藝術故事的“陷阱”與“仙境”。
三廣告攝影在平面設計中的具體應用
平面設計是將圖形、文字、圖像按照一定的比例和規則加以組合，在二維平面上形成圖案，營造視覺效果，表達不同情感、思想的印刷品或宣傳品。一幅卓越的設計作品首先要具備視覺上的沖擊力和吸引力。廣告攝影要想在平面設計中占有一席之地并影響其他藝術創作，需要從真實、審美及便捷三個優勢方面加以打磨。
1廣告攝影在平面設計中應保持真實性
廣告攝影的真實性在平面設計中可謂首屈一指，其他藝術手段難以達到。與其他形式相比，廣告攝影圖片能夠將產品信息直接、形象地展示出來，廣告攝影的關鍵在于能夠留住觀者的眼球，使人在瞬間留下深刻的印象。藝術對許多人來說往往是抽象、遙遠的，但廣告攝影藝術必須建立在真實的基礎之上，通過直觀表現的優勢吸引人們來了解產品并且信任產品，產生“一鳴驚人”的強烈畫面感和功能形式。廣告攝影的真實性并不能與歷史記錄那樣程度等同，即使是最基本的產品圖片展示也是需要藝術設計加工的，其是以最簡便、直接的圖片方式進行信息的傳遞，在保持原貌的基礎上給予恰當的美化。首先，平面設計中的廣告攝影運用不可隨意拍攝，要以精確的測光、曝光完美地還原真實物體色彩；其次，以攝影圖片傳遞信息較其他方式要形象、生動，能夠以最快的速度聚焦觀眾的視線；最后，優秀的攝影圖像不存在地域限制，能夠在平面設計中表現出全人類共同的情感思想。
2廣告攝影在平面設計中應融入審美性
廣告攝影以產品為主要拍攝對象，通過反映產品的形狀、顏色、功能、用途等獨有的特征來提高吸引力，將這種出身“商業化”的技術應用于平面設計中，極大地擴大了攝影的應用范疇，開辟了一個新的視覺審美領域。隨著科學技術的不斷發展，廣告攝影已經成為平面設計不可或缺的分支，并且成為平面設計的重要因素。圖像、色彩是組成平面設計的基本元素，攝影師手中的本體語言結構賦予平面設計內在的靈魂，廣告攝影所具備的商業潛力和受眾范圍為平面設計提供了便利的傳播渠道。可以說廣告攝影已經進入現代平面藝術設計領域，以其真實的形象、巧妙的構思、誘人的情景，最直接、最有效的為平面設計提供新的表現手法。
3廣告攝影在平面設計中應體現便捷性
數字技術時代，廣告攝影圖片浩如煙海、包羅萬象，在不知不覺中已經成為全新的視覺傳媒體系。廣告攝影以其良好的交互性、傳播性為平面設計提供了豐富的素材，任何一個與產品相關的畫面都可以做為平面設計的創作源泉，引發設計靈感。在此角度而言，廣告攝影以全新的圖像交流方式，重新定義了地域文化的共同點，一方面傳播了產品信息，另一方面傳達了藝術手法和設計理念，推進平面設計向更完善、更新奇的方向邁進。
四結語
第8篇：影視藝術的基本特征范文
―、在全球化背景之下構建文化認同
全球化語境的背后是當代資本主義的市場邏輯。“當代資本主義消費本身既是經濟行為，又是文化行為，這早已不是尼采和韋伯意義上的文化了”。?即使是最悲觀的論述也不能掩蓋殘酷的現實：當影視作品紛紛在市場運作中成為了被受眾購買、消費的文化產品之后，當影視作品被好萊塢進行全球營銷之時，作為受眾的我們已經在不知不覺中被培養成了“口味統一”的客戶。真人秀節目《美國偶像》的成功不僅僅是因為巨額的廣告收人，更重要的是以其為模本的真人秀節目形態在全球蔓延。即使是在有著截然不同文化傳統的中國，觀眾們也津津樂道于《超級女聲》的冠軍人選。這種文化的假象生產出的是消費的欲望而非價值與意義。對此法蘭克福學派的“文化工業”理論早有論述：“當經濟變成一種文化現象時，文化也變成了一種經濟性的、市場的現象”。
影視教育是大學教育活動的一個層面。其核心是以影視藝術的形式呈現文化的樣態，于多元樣態中提煉具有民族特征的文化價值，進而完成文化認同的過程。“文化認同是指個體與社會在生活中參與性地、體驗性地繼承與發展某種或特定文化的過程。”?這其中涉及到文化的表現形式、載體、受眾的審美習慣、審美心理等多層面的內涵。換句話說，文化是在不斷演進的歷史縱軸上進行的具有延續性的意義賦予和構建的過程。因此，“對于特定時代的個體和社會群體來說，文化認同就是人們對于一種歷史性地進行著的‘生命意義構建活動’的參與過程”。?基于這樣的論述，我們可以理解作為海洋文明代表的雅典奧運開幕式表演必然不同于代表黃土文明的北京奧運開幕式演出。前者注重冷色調的運用和流線型的呈現方式，后者則是暖色調的調和與條塊狀的表現形式。藝術手法差異的背后是作為藝術靈魂的文化意識的不同。
隨著全球一體化的進程不斷加快，民族融合、文化交流的過程已是歷史的必然。然而，伴隨這一必然過程的是強勢文化的文化霸權和弱勢文化的逐漸式微。對于這一現象，“文化普遍主義者認為，文化發展的指向必然是世界文化通過全球經濟一體化的推動而在經濟活動中走向文化同一性，全球化必將導致人類文化實踐活動的理念預設和實踐指向變為同一特質”。《而文化特殊主義者則強調“文化發展是在尊重各主體文化生態發展的自由的基礎上對自身文化價值和理論規范的獨特性認可”。@其實，關于文化特權和文化狹隘性的爭論早已有之。在聯合國教科文組織的《世界文化多樣性公約》中，“文化多樣性是人類的一項基本特征”“是人類的共同遺產”“是文化的多樣性創造了一個多彩的世界”@的論述得到了眾多國家的廣泛認可。《公約》對于文化多樣性的保護與尊重正反映出不同文化主體對自身文化價值認同的渴望與堅持。
二、明晰自我與他者、社會的多重關系
影視作品通常都帶有豐富而多元的意義，因其最貼近生活、最具時代特征、最直觀反映社會現實與架構，使得影視藝術教育在價值賦予、意義解讀等許多層面都具有不可替代性。同時影視文本對于構建自我與他人、與社會的和諧的社會關系也具有重要意義。除了關注作品本身的藝術價值之外，影視文本能夠更多地反映出某個特定時代背景之下社會的結構模型、成員關系、社會矛盾、價值沖突與對立，甚至對人性的解讀與剖析。因此，對于文本的詮釋和解讀有著更廣闊的社會學、人類學、哲學空間。以法國導演阿倫雷乃的紀錄片《夜與霧》為例，“對當下某個時刻的任何描述，都會在實踐的延續中喚醒未來，其中永恒不變的是社會的責任”。》將一段影像放置于它所反映的時代，連續流暢的彩色鏡頭的講述與短促黑白的固定鏡頭交替，完成了在現實與歷史的時空中的對話，完成了從歷史旁觀者到現實的回歸。于是，在對開放式的結尾的解讀中，“我們被告知：這種邪惡就潛伏在我們周圍，我們必須在自己的生活中警醒、同情并關注他人”。?這一文本解讀的過程正是明確自我與他人、與社會關系的過程。
“我”不是獨立的單一個體，而是與他人命運息息相關的，是與社會脈絡一致的。只有認識到個體與社會的關系，才能“成長為一個為生活中至關重要的社會關系承擔義務、為了自己和他人分擔責任的社會人。”這種基于文本分析的社會責任賦予過程是其他藝術形式教學過程中無法承載的使命。明確構建自我與他者、與社會的和諧關系及其意義正是影視藝術教學的特色。
三、引入意識形態分析，構建社會品格
將意識形態分析引人藝術教學，特別是影視藝術的教學過程，旨在將影視文本放置于由歷史時展的縱軸和國家社會發展的橫軸構成的坐標體系當中。用宏觀的、歷史的、辯證的視角解讀文本和其中包含的社會意義。“意識形態既可以作為一套沒有明確的政治涵義的想法被客觀地定義，也可以作為一種人們在特定的社會歷史語境中用以塑造自己和他人，同時也使某一集團大力提倡的觀念被嚴格地定義”。?所以，在影視文本的解讀過程中引人意識形態分析能夠使一個社會的普遍共識、價值觀念得以宣揚。而這一過程正是達成社會共識、構成社會和諧的重要途徑。
“文學不只是與那些普泛的和永恒的美，或者高尚的準則有關，更與產生它的意識形態的環境有著實際的糾纏不清的聯系”?。其他藝術類型亦然。在《德意志意識形態》一書中，馬克思“反對那種認為人們的思想觀念可以脫離社會的政治和經濟的關系單獨發展成型的看法。”@實際上，“意識形態結構著現實本身”。@為什么在1955年能夠產生《夜與霧》這樣具有深刻批判意識的紀錄片?這與戰后十年“反思、警醒”的社會思潮相關，也與物資匱乏的經濟現實相關。正是由于具有了政治的、經濟的、歷史的、人文的眼光，才使得一部藝術作品可以“回答社會問題和道德問題，而且，反過來用藝術關懷來引起歷史與道德的思考”。?而其中藝術關懷與道德思考的訴諸點正是尋求共識，達成一致。以促成愛國、忠誠、同情、責任、關懷等社會品格的穩定和形成，構建公平、和諧的社會結構。
第9篇：影視藝術的基本特征范文
一、 刺激電影創作者的想象力
電影藝術的出現，使人類的想象力得到了充分發揮，也正是由于電影創作插上了想象的翅膀，才能夠呈現給觀眾美輪美奐的視聽盛宴。[2]數字藝術為電影創作者想象力充分發揮提供了技術支撐，反過來，以數字藝術為技術基礎的虛擬現實主義電影也對電影藝術家的想象力和表現力提出了更高的要求，這種技術與藝術的相互作用，不僅體現了電影藝術的本質特征，同時也成為電影藝術發展的新動力。
愛因斯坦不僅是偉大的科學家，同時在藝術上也有很深的造詣，他認為，想象力對于人類來說甚至比知識更為重要，正是人類無限的想象力才能夠對世間的一切進行概括，并成為人類社會進化的重要原動力。這一論斷顯然也適用于電影創作領域，由于數字藝術的產生和發展，電影本身在經歷虛擬與現實相互融合的過程中，也不斷刺激和豐富著電影藝術家的創作靈感，促使他們不斷挖掘想象力的潛能，從而進一步豐富著電影題材與內容，并改變電影的表現樣式。虛擬現實主義電影就是在數字藝術的推動下，電影藝術家思維日漸活躍、想象力日趨豐富的背景下產生的電影藝術形式。特別是虛擬現實主義電影中展示的往往是現實中不存在的物質空間，創作者對其中的景象幾乎沒有任何現實經驗可供借鑒，因此，要將此類景象具象化為具有視覺真實特征的影像，沒有豐富的想象力顯然是不可能的。
傳統電影藝術由于受技術的限制，創作者腦海里未知的事物的想象，并不都能“成像”為現實的電影畫面，這也成為制約虛擬現實主義電影產生和發展的重要因素。隨著數字技術特別是計算機虛擬圖像生成技術的產生和發展，上述想象力的具象化成為現實，并給虛擬現實主義電影創作提供了強有力的技術工具，進一步豐富了電影的視覺語言形式。在虛擬現實主義電影中，基于數字藝術，人類的想象力得到了極大延伸。[3]數字技術不僅可以修改攝制過程中不盡如意的圖像，還通過對藝術家的非凡創意的實現，向觀眾展現前所未有的奇妙藝術世界。從《侏羅紀公園》到《阿凡達》，從《星球大戰》到《指環王》，這些虛擬現實主義影片中奇妙的人物形象和宏大的場面無不得益于創作者豐富的想象力，他們依靠數字藝術將想象視聽空間與其他藝術元素相融合，充分實現了影片在視覺上的美學價值。
二、 導演表現空間的拓展
導演無疑是電影創作中最重要的因素之一，其思維的活躍度和創造性對電影創作的成敗至關重要。數字藝術的出現，對導演創造性思維空間的形成和拓展極為有利，特別是許多在傳統方式下難以實現的創意和想象，在數字藝術的支撐下都可能迎刃而解，這給導演執導過程中電影藝術的再現和表現功能的強化創造了可能。一方面，數字藝術的充分介入，導演的表現空間得到了極大拓展，可以創造出美輪美奐的視聽奇觀和虛擬現實，給觀眾以前所未有的視覺享受;另一方面，觀眾在觀影的同時也可以感受到導演的思想和觀念，特別是利用數字藝術所創造的的數字思想。以影片《駭客帝國2》中追車的場景為例，由于虛擬現實技術與電影藝術化特征的結合，將真實的邊界作了更深的推進，假如不是導演刻意運用慢動作以及實景拍攝中難以做到的攝影角度，幾乎就和現實場景別無二致。這種技術與影像之間的相互關系恰好展示出了人的創造性和機器之間的悖論，并從形式上與電影敘述主題遙相呼應，這就是導演通過影片傳達的數字思想。
技術與藝術的結合是電影的基本特征，因此，數字藝術對電影創作的影響，并不僅限于技術手段層面，因此，導演不能僅將數字技術視為一種技術手段，而需要在全新的技術上附著全新的藝術思維。所以說，數字藝術介入電影創作，不僅給導演的執導帶來了便捷，也對導演自身的綜合能力提出了更高的要求。當數字藝術只能創造奇幻的視覺效果這一認識偏見被超越之后，數字藝術才能真正融入導演的創作藝術，為將來的電影發展展示更加廣闊的前景。電影技術的不斷發展，進一步促進了電影形態的多樣化，色彩紛呈的電影畫面使觀眾目不暇接。技術的支持使當代電影的概念不斷豐富，但是這種豐富更多的表現在電影形式和內容的拓展上，也就是電影藝術語言的豐富。雖然在后現代語境下，受眾對于電影視覺沖擊力需求呈現出不斷增強的趨勢，并逐步消弱人文思想內涵在影片中的地位，但無論怎樣，觀眾并不會在意導演利用的是不是數字藝術，而是主要關注影像本身的效果能否打動人和感染人。因此，面對數字藝術的迅速發展，導演需要擺正數字藝術作為創作手段與影片效果這一根本目的之間的關系，才能善于利用數字藝術手段進一步突顯當代電影的藝術性。
三、 敘事結構的拓展
在傳統電影領域，由于技術限制了創作者想象力的充分發揮，傳統電影的時間敘事較為簡單，體現出單一線性變化特征。[4]數字藝術的介入徹底顛覆了敘事時間結構上的這種線性變化思維，為當前的虛擬現實主義影片在敘事結構上提供了充分的自由發揮空間，從而呈現出不同的電影語言特征。總體來說，數字藝術對虛擬現實主義電影敘事結構的影響，主要體現在敘事發展的多向性、敘事視角的多樣化、影片結局的不確定性等三個維度。
在數字藝術的作用下，虛擬現實主義電影的整體敘事由單一時空序逐步向多元化敘事轉化，一部電影對一個事件的不同結果可能會做出多種不同的敘述，影片《羅拉快跑》中關于拯救男朋友這一事件產生了三個不同的敘事維度，就是典型的例證，因此，無論是數字藝術催生的網狀敘事還是分叉敘事，都體現出影片敘事發展的多向性和多維度。雖然多種結局設計下一千個哈姆雷特就有一千個標準，但是從深層上看，電影創作者更需要進行事前的預判，根據觀眾認可和喜愛的劇情來進行敘事選擇。
數字藝術的超前性發展導致了敘事視角的迅速演化，當前優秀的影片已經突破了傳統電影的固定化視角，并體現出以下兩方面的特征。首先，敘事視角進一步發散，體現出多維度敘事空間。特別是3D技術的廣泛采用，可以實現寬銀幕以上的旋轉視角，這種發散視野中的人物不僅極具立體感，同時也便于觀眾多角度觀察。其次，敘事視角更具現場感。由于虛擬現實技術的全面應用，可以使虛擬影像具有更多的逼真性，從而極大提升觀眾對角色敘事的參與，并隨著電影人物命運的變化進行選擇，從而完成故事。
數字藝術對虛擬現實主義電影敘事的影響，還體現在結局的游離性與不確定性。在數字藝術的參與和影響下，虛擬現實主義電影的敘事重點并不在于帶給觀眾一個確定的“答案”，而是引導觀眾去探尋“答案”，這里觀眾的主動性獲得了發揮空間，而不是傳統觀影過程中對電影結局的被定性接受。既然有“答案”，那么“反答案”也就有了存在的必要和現實需求，這也是當前虛擬現實主義電影敘事的重要特征，也就是當觀眾都認為故事已經結束的時候，又出現了一段延續，這種結局前的敘事使整部影片的結局更具有不確定性。
四、 對傳統電影理論的消解與影響
當觀眾驚嘆、欣賞并陶醉于數字藝術造就的電影景象奇觀時，傳統電影經驗和創作理念也在不斷遭受著質疑。很顯然，依靠數字藝術特別是虛擬現實技術創設的虛擬影像，雖然具有十分真實的視覺觀瞻，但是這種計算機無限處理的影像卻并非出自真實拍攝的影像。這種虛擬化的真實，不再是傳統電影那種對現實的影像記錄，所以自數字藝術被應用于電影藝術的那一刻起，電影的記錄本性就不斷受到挑戰。在數字藝術的支持下，當代電影的影像創作已經不再需要鏡頭前的客觀實體，甚至攝影機也不再是必須的。現代的電影正在向一種復雜的計算程序演化，將來只需要精準的數據以及創作者豐富的想象力，就可以得到一切想要的影像。或許在數字藝術的視角下，影像的概念需要些許修正：影像只是客觀實際的一個版本，但并不是其本身，其本質是通向真實世界的一扇窗戶。
演員是傳統電影藝術中不可或缺的重要元素，一切成功的電影和影像塑造都離不開人的表演活動。[5]數字藝術的不斷發展，也使這一基本的電影觀念受到了“侵犯”。拋開近幾年的高技術虛擬現實主義電影暫且不論，就是傳統形式上的電影《泰坦尼克號》中，也可以隨處找到漫步的乘客、高處墜落的人群等虛擬數字人的身影。雖然人類最熟悉的影像莫過于自身，但對這些龐大數量的數字人，仍然是真假難辨。無論是真人的仿真模擬還是虛擬數字人，其不僅代表著電影創作領域的技術突破，從人與技術的關系來看，也使演員的地位遭到前所未有的挑戰。目前，人的表演與數字藝術的不斷交匯，使人的表演變得愈加支離破碎，并使數字明星對演員的主體性產生了現實的威脅性。另一方面，數字藝術的廣泛使用也對傳統的表演藝術提出了挑戰。由于諸多場景是基于增強現實技術的虛景與實景的融合，因此在拍攝中，演員必須克服不真實感帶來的表演心理障礙，與眼前不存在的電腦演員“共同”完成一系列的動作。例如影片《精靈鼠小弟》的拍攝過程中，利用一個小球來代替老鼠的位置，這對演員的想象力提出了極高的要求。總之，數字藝術為電影提供了廣闊的發展空間，這些新手段在不斷激發創作者藝術潛力的同時，也對創作者提出了更高的素質要求，而貫穿其中的是對傳統電影理論的消解與影響，從而在理論創新中接連不斷創造出新的影像奇跡。
結語
數字藝術的出現和在電影領域的廣泛應用，促成了虛擬現實主義電影的迅速發展，并對此類電影的創作產生著廣泛而深遠的影響。數字藝術依靠其獨特的“虛擬”與“真實”兼而有之、相互融合的技術特征，極大地刺激了電影創作者的想象力，進一步拓展了電影的敘事空間和導演的表現力度，同時也深刻詮釋了藝術與技術這兩個電影的基本構成要素通過相互作用、螺旋上升的發展模式，促使電影藝術在進步中不斷創造出更多的優秀作品。
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